EONTOS

Versailles ou l’aberration du tourisme culturel de masse

                    

Il en est de Versailles, comme de quelques rares grands sites culturels, il faut y aller,  et y retourner de nombreuses fois avant d’en avoir pu faire le tour. Je ne compte plus les multiples séjours que j’y ai faits, et j’espérais bien, cette fois-ci, réussir enfin à découvrir quelques-uns des trésors des « Appartements de Mesdames » et en particulier le cabinet de Madame Adélaïde, chargé de souvenirs musicaux très forts du 18^e siècle… mais las !

Après avoir pris mon billet, sur le site internet du château, sans qu’il n’y fut le moins du monde mention que ledit cabinet était fermé, j’ai appris qu’il était en restauration jusqu’en … novembre 2012 ! Etrange cette malédiction qui me frappe, puisqu’il y a un an déjà, j’avais failli réussir à voir ce magnifique cabinet … sauf que le matin de ce jour qui allait devenir mémorable, l’on me précisa qu’il y avait une réelle impossibilité et que l’on m’avait donné une mauvais information …

Donc, puis que billet payé, autant profiter pour revoir ce haut lieu de notre patrimoine !

Passons sur le temps particulièrement exécrable qui, malgré quelques trop brèves éclaircies et trop rares rayons de soleil, n’incitait guère à d’enchanteresses promenades dans les jardins.

Mais quelle surprise ! Un monde inimaginable avec une impressionnante queue pour pénétrer dans le château (il faudra un jour se poser la question du bien-fondé de ces mesures dites de sécurité prises dans de tels endroits !), digne de celles que l’on peut trouver aussi bien à la Ste Chapelle qu’au Vatican ou à l’entrée du Forum à Rome.

On devrait se réjouir d’un tel engouement pour les sites culturels majeurs. Et pourtant je ne peux m’empêcher d’être de plus en plus réservé sur ce tourisme de masse ; et je me demande si à force de vouloir un accès de tous à l’art, on n’est pas en train de tuer tout bonnement le sens artistique.

Goûter une œuvre d’art nécessite, en plus d’une indispensable connaissance historique, de temps pour se l’approprier, la faire sienne au point qu’elle en devienne indispensable ; du temps, mais aussi parallèlement une disponibilité d’esprit que ne peut que perturber une agitation environnante. J’ai été frappé dans ce salon d’Hercule par le grouillement de centaines de personnes, réunies aussi en de nombreux groupes touristiques ; et je me suis seulement demandé comment toutes ces personnes pouvaient apprécier ce magnifique « repas chez Simon » de Véronèse, alors même que par la densité de cette cohue humaine, il était impossible de s’en éloigner, de le voir sereinement dans sa totalité avant même de pouvoir en apprécier les détails ! Durant le peu de temps que je suis resté immergé dans cet agglomérat, force m’a été constater que ce troupeau humain était bien plus préoccupé de s’engouffrer dans les appartements royaux qui suivent que du Véronèse … le mur eût été vide, que cela eût été pareil ! Et pourtant le salon d’Hercule a une dimension importante, alors j’ose à peine imaginer ce que cette marée humaine a pu voir dans des pièces beaucoup plus petites !

Je comprends parfaitement l’aspect totalement ambigu de cette réflexion qui, prise telle quelle, frise son élitisme, son mépris pour le peuple. Mais si j’assume totalement cette réflexion, c’est pour mieux rebondir sur d’autres vérités tout aussi criantes ; pourquoi, par exemple, ne pas décréter que le château ne peut accueillir plus de x personnes à la fois, et qu’au-delà de ce chiffre, ses trésors n’étant plus accessibles, il faut donc arrêter de laisser entrer de nouveaux visiteurs ? Certes, ce serait perdre un nombre sans doute très important de visiteurs et donc de se priver de recettes ; mais ce serait le prix à payer si l’on veut que l’art soit accessible à tous autrement que formellement, c’est-à-dire en permettant à chacun d’en tirer pour soi le plus grand profit. De même qu’une politique de création de postes permettrait que des lieux réservés aux visites groupés (Chapelle, opéra …) soient ouverts à l’ensemble des visiteurs, ce qui pourrait soulager le circuit général d’une affluence telle que le visiteur ne peut que survoler au lieu d’approfondir, se livrant ainsi à une espèce de zapping culturel, pratique qui est aux antipodes de l’acte culturel !

Mais qui se soucie de toutes ces réflexions à l’exact opposé de l’air ambiant... et dire que nous sommes dans une période électorale où la pratique culturelle devrait faire partie des grands sujets à traiter !

Léhon : festival de diaporamas du 31 mars

Ce 31 mars, le Diapo-Club de Léhon organisait un festival de diaporamas.

Ayant déjà eu l’occasion d’assister à l’une de ses précédentes éditions, je n’avais absolument pas l’appréhension tout à fait normale lorsqu’on découvre une nouvelle manifestation.

Le cadre toujours inchangé et toujours aussi séduisant, cette abbaye si suggestive qui trône sur les bords de Rance.

Et à l’intérieur une salle (tout sauf guerrière, malgré son nom, Noël Mars) qui respire la chaleur : on s’y sent naturellement bien ! Prédisposition indispensable pour être encore plus réceptif aux projections proposées.

27 photos sélectionnées vous accrochent et à vous d’en sélectionner trois ; étonnant, deux grands thèmes ou plus exactement deux grands cadres : la nuit, avec des paysages urbains, et l’hiver avec neige et glace et toute la luminosité qui l’accompagne. A vrai dire, c’est cette seconde partie qui m’a attiré ; non que la première soit moins bonne, moins réussie techniquement, non loin de là, mais humeur du moment, je me suis senti plus en conformité avec ces paysages d’hiver, et en particulier l’un d’entre eux : Les carrelets proches de l’écluse de La Hisse, une construction photographique très subtile avec une réelle et envoutante perspective, et une  lumière tamisée, très légèrement bleutée, comme on la retrouve d’hiver au petit matin lorsque se dissipe une petite brume. C’est ce cliché qui a remporté mes suffrages, en second cette autre photo très suggestive d’un trou de la glace, et en troisième un clin d’oeil humoristique, pince à linge givrée sur sa corde !!!

Le thème de ce festival tournait autour d’Histoires extraordinaires.

Et en prime un conteur, et quel conteur, Pierre Gouletquer ! Un régal ! Même s’il est de formation « préhistorien », les quelques contes qu’il nous a donnés in vivo, soit lui tout seul, soit accompagné d’un discours visuel, « diaporamistique », plongeaient aux racines de l’être humain ; le tout empreint d’une ironie subtile et d’une gourmandise du verbe … un régal, vous dis-je !

Donc en compétition, amicale, certes, onze diaporamas. Ma négligence proverbiale ayant encore sévi, j’ai tout simplement oublié de prendre le programme et je demande à tous les auteurs de bien vouloir me pardonner de ne pas les mentionner (car même si j’en connais quelques-uns, les autres non, alors il ne serait pas juste de privilégier les premiers par rapport aux seconds !).

Une constatation s’impose : tous, des plus courts aux plus longs, ont une réelle teneure technique ; et les trois paramètres – photos, textes et musique – sont traités de façon fort honorable ; on pourra aimer ou non tel ou tel timbre de voix, mais la diction sera toujours claire et compréhensible ; on pourra ne pas aimer telle ou telle musique choisie, ou plutôt penser à un autre type de musique comme illustration sonore, mais il n’empêche que le choix sera toujours judicieux et pertinent. Les images et leurs enchaînements sont soignés et surtout, ce qui me semble important, particulièrement bien pensés : bannie, repoussée, annihilée la tentation du débutant qui veut aller dans tous les sens et exploiter toutes les ressources des logiciels à sa disposition. On pourra aimer ou non ces incrustations qui arrivent en superposé et qui s’animent sur une image fixe, ce qui semble être une des marques de fabrique de Léhon (Est-ce que je me trompe ?)(et pour ma part je l’ai parfois regrettée parce qu’artificielle et coupant trop brutalement le discours visuel).

Le seul regret que j’ai eu dans ce festival, c’est de ne pouvoir discuter avec les réalisateurs pour pouvoir approfondir tous ces « détails », avoir en main et à l’esprit toutes leurs intentions afin de mieux goûter leurs créations … mais alors ce n’est plus une soirée qu’il faut programmer mais tout un week-end !!!

Alors j’ai eu beaucoup de mal à choisir ; et si j’ai éliminé d’entrée de jeux des diaporamas fort bien faits comme « révélation » ou « les oiseaux chantent » ou encore celui sur la marquise de Kerjean, ou encore « le jour d’avant » ou aussi celui sur « L’opéra Garnier », ce n’est pas qu’ils étaient moins bien ficelés que les autres, mais seulement parce que je ne me suis pas trouvé en accord avec leurs discours. Et cela c’est la très dure loi de la subjectivité ! J’ai immédiatement accroché à celui consacré à l’enterrement de F. Chopin, et l’aurais volontiers mis en premier de mon choix, mais allez savoir pourquoi, j’ai été choqué par l’intrusion finale du requiem de Mozart, juste pour le générique, et même si ce requiem se justifiait et était en quelque sorte annoncé, pour moi, il arrivait trop tardivement, et quant à faire, j’aurais continué sur cette extraordinaire sonate dite funèbre du même Frédéric Chopin qui a si magnifiquement conduit le diaporama, tellement bien foutu au demeurant avec ce leitmotiv adressé à la mère !

Alors mon choix final : en 2 Chopin … mais le reste ? J’avoue que j’ai été séduit par l’unité totale du dernier diaporama, et de sa chute finale qui me l’a fait placer en 1, et comme j’étais dans l’humour, j’y suis resté pour le troisième avec cette histoire de porte qui s’ouvre et se ferme (je ne me souviens plus ni du titre ni de l’auteur … ah les œuvres anonymes !)

J’aurais du parler des autres diaporamas ? Certes, mais vous savez quoi, en plus d’être distrait je suis aussi très fainéant, et comme je n’ai pas le courage de vous infliger une trop longue chronique, je vous donne l’adresse du diapo-club de Léhon, et tels que j’ai vu fonctionner ses membres hier soir, nul doute que vos demandes d’informations seront très bien accueillies.

 diapolehon@orange.fr

Pour terminer que puis-je dire de mieux que …  je ferai tout pour ne pas rater la prochaine édition de ce festival !

Escapade romaine (4 et fin)

Restait donc a faire une petite visite à St Pierre.

Pour beaucoup St Pierre c’est l’Eglise catholique, sa hiérarchie, sa philosophie religieuse et tous les rites qu’elle impose.

C’est trop réducteur, et c’est si peu rendre compte de l’autre aspect, celui culturel qui, comme au Musée du Vatican, est omniprésent.

 

D’abord par tous ces immenses artistes qui en l’espace de plus d’un siècle ont consacré une grande partie de leur vie à créer et à organiser cet espace. Il y avait bien une première basilique, une des premières à exister, sur l’emplacement de l’actuelle ; elle avait été érigée, à la demande de Constantin, Ive siècle, sur le lieu de sépulture  de l’apôtre ; mais au tout début du 16^e siècle, Jules II encore lui décida de la remplacer par un autre édifice bien plus grand, celui qui ne devait jamais être égalé, pour bien marquer le pouvoir de la papauté sur l’ensemble du monde ; il faut dire qu’à la Renaissance les papes se sont poussés des ailes (et pas forcément d’anges !) pour imposer leur marque et la temporalité de l’Eglise.

Donc Jules II demande à Bramante de s’atteler à cette tâche, lui succèderont comme architecte Raphaël (eh oui !), Michel-Ange (alors qu’il avait 72 ans !!!), puis enfin Carlo Maderno … pour une inauguration triomphale en 1626, soit exactement 120 ans après que la première pierre ne fut posée.

Edifice gigantesque qui ne vaut que par sa dimension, pensez pour avoir une idée qu’il rentrait dans Saint Pierre l’équivalent de quatre fois Notre Dame de Paris ! L’intérieur d’une richesse dorée incomparable est d’un tape à l’œil sans nom ; à mon très humble avis, d’intéressant et de fascinant, la Pietà de Michel Ange, mais une protection en verre blindé, et des travaux tout autour empêchent de fait la moindre photographie !

 

Pour l’anecdote il y a aussi cette statue de St Pierre dont le pied gauche s’use à force d’être embrassé par d’intarissables pèlerins ; pour le décorum, vous avez aussi l’immense baldaquin érigé par le Bernin, vous en avez une réelle idée lorsque vous apprenez qu’il ne fait que 28 mètres de hauteur. Le plus intéressant c’est de pouvoir voir de l’intérieur la coupole de Michel-Ange ; on comprend alors le titanesque travail qu’elle a du nécessiter.

 

Sinon, vous pouvez vous amuser à dénombrer les tombeaux des souverains pontifes … mais cette revue nécrologique est peu de mon goût.

Reste cette fantastique place, une des plus imposantes de Rome, avant celle de St Jean de Latran ou a fortiori de Ste Marie Majeure.

1586, l’espace trop vide tourmentait le pape Sixte Quint, il demande alors à l’architecte Domenico Fontana d’ériger un obélisque ; il n’y avait qu’à se servir dans toux ceux que les antiques romains avaient ramené d’Egypte ; et cela tombait bien, dans le cirque de Néron, il y en avait un que Caligula avait rapporté d’Alexandrie en 37 après le Christ.

 

La scène est unique, devant une foule imposante, des treuils, des chevaux et une multitude d’ouvriers tentent de lever l’obélisque. Le pape avait exigé le silence absolu, et malheur à celui qui enfreindrait cette règle, sa mise à mort suivrait immédiatement. Alors tout le monde retient son souffle, les cordes se tendent, se tendent, puis commencent à craquer. Tous les marins connaissent ces bruits significatifs et savent qu’alors le point de rupture est proche. Vous imaginez la catastrophe, si l’obélisque non levé tombe au sol, il se cassera inévitablement en mille morceaux, et alors Domenico Fontana sera livré en pâture à la fureur du pape ! Du reste, prévoyant, l’architecte avait envisagé cette hypothèse, et à tout hasard, il avait fait tenir deux chevaux sellés, sanglés, prêts à lui permettre de fuir au cas où …

La foule est en haleine, tombera, tombera pas ? Et au milieu d’elle, un marin, il souffre le pauvre homme, il n’aime pas voir maltraités ainsi les cordages, un bout qui s’use, n’est-ce pas la fin d’une voile ? Alors, il n’en peut plus, et dans le silence général, il crie « aqua su le fune » (eau sur les cordes !) les ouvriers s’activent, envoient d’impétueux jets, les cordes ne craquent plus, retrouvent leur élasticité, et l’obélisque majestueusement s’élève sur la place. Beau joueur, Sixte Quint ne châtiera pas le marin impudent qui lui avait désobéi, il lui donnera au contraire une bourse bien garnie.

J’aime autant cette histoire que l’obélisque me laisse complètement indifférent ; il n’est pas beau, et quant on pense à tous ces autres obélisques dont Rome disposait et qui avait de magnifiques hiéroglyphes …

A côté deux fontaines, une de Carlo Maderno et l’autre du Bernin.

Tiens encore lui !

 

Imaginez cette place, une façade superbe, et face à elle un immense obélisque, et rien entre les deux ! Inconcevable, non ! C’est bien ce qu’a du se dire 30 ans après l’inauguration de la basilique, le pape Alexandre VII qui commanda alors en 1655 la fameuse colonnade ! Laissons de côté la symbolique, les mains de l’Eglise qui prendraient en charge les fidèles. C’est plutôt la trouvaille esthétique qui est impressionnante et que le Bernin a voulu bous faire toucher du doigt, en matérialisant le centre des deux cercles que chaque ellipse forme. 284 colonnes et 88 piliers de 20 mètres de haut, et sur quatre rangs, ce n’est pas rien, non ! Cela en impose, non ? Eh bien, si vous vous mettez au centre du cercle, vous ne distinguez plus qu’une seule rangée, vous avez alors une impression de légèreté, de grâce qui efface d’un coup toute l’impression « mastodontale » de la double colonnade.

Vous pourrez aussi vous amuser à détailler les 1236 sculptures qui surplombent la colonnade… profitez de la place St Pierre autant que vous le voudrez, vous aurez toujours le refuge de l’ombre, sous les colonnades, ou d’un proche café (prix exagérés, mais c’est la cité du Vatican, et les espèces sonnantes et trébuchantes n’ont pas la même valeur qu’ailleurs !).

Un conseil toutefois, évitez le dimanche et les jours de grande célébration, car alors vous serez noyé dans la masse des fidèles ; et si le spectacle est intéressant d’un point de vue ethnologique, sociologique ou tout simplement fanatique, par contre il vous empêche de goûter sereinement de la grandeur esthétique de cette place…

J’eusse aimé retourner un matin, je crois que c’est à ce moment-là qu’on apprécie le mieux la place, en tout cas c’est un moment privilégié pour les photos. Mais hélas, mon escapade s’achevait … avec au coeur ce secret espoir de retourner me plonger dans le dolc far niente romain, espoir jamais démenti !

 

Escapade romaine (3)

Indissociable de Rome, ce tout petit état, cette enclave où le temporel a nécessairement rendez-vous avec le spirituel.

Le Vatican donc, omniprésent, non pas tant par les hommes et femmes qu’il héberge, que par la richesse créatrice dont il a été l’occasion, et par tous les trésors qu’il renferme.

                   

Omniprésente ainsi sa coupole : de tout l’ensemble des édifices qui composent cet Etat, c’est la partie que je préfère ; c’est tellement évident pour moi qu’il s’agit là de la perfection du génie de Michel-Ange ; il ne l’a pas vue achevée et sans doute à ses derniers instants a-t-il du en ressentir toute l’amertume, mais pour nous, pour tous ceux qui lui ont succédé dans le temps, une des premières visions de Rome qui s’impose, c’est bien cette coupole.

Impression unique, et lorsque vous la voyez des jardins du Vatican, dans un léger contre-jour et auréolée d’une infime brume de chaleur, elle exhale tout ce à quoi les hommes peuvent aspirer et qu’ils s’acharnent à ne jamais atteindre ! Sentiment de calme absolu, de sérénité totale, du bonheur de vivre.

Quelle beauté, et en même temps quelle incitation à pénétrer un peu plus dans ce musée, l’un des plus imposants et significatifs au monde !

 

D’accord, mille fois d’accord, il y a un certain esprit de marchand du temple dont l’Eglise fait preuve ; le prix, avec si peu de réductions possibles, peut sembler prohibitif (15€), et pourtant, à en croire la queue, 500 bons mètres à 9h30 !!!, les gens sont prêts à mettre le prix, et dans un sens c’est rassurant, car n’est-ce pas admettre aussi que le culturel a tout autant voire plus de valeur que le matériel ? et dans le même temps, mon adhésion à l’idée que la culture doit être nécessairement gratuite pour permettre son accession à tous, eh bien, elle en prend un sacré coup …

Donc un monde affolant ! On affirme qu’il y aurait plus de 20.000 personnes à aller admirer chaque jour la Chapelle Sixtine, l’un des chefs d’oeuvre incontournables du Vatican … ce qui veut dire autant de monde dans ces couloirs qui y mènent, et dont vous ne pouvez faire l’économie même si vous prenez le trajet court (ce que j’ai voulu faire : me cantonnant à la Sixtine et aux salles de Raphaël, les autres parties, en partie l’antiquité, ou la pinacothèque ce sera pour une autre fois … mais il faut savoir que si vous voulez faire la totalité du Musée du Vatican, deux jours vous seront nécessaires, sauf à parcourir toutes les sections au pas de course !)

 


Couloirs donc magnifiques, avec plafonds dorés jusqu’à l’excès, ou encore peintures figuratives ; et sur les côtés des petites merveilles, quelques statues, où quelques peintures sur bois,

                  

sans oublier bien évidemment la fameuse section des cartes, avec certaines originalités, la carte du golfe de Naples, par exemple, inversée : au lieu de la lire le Nord en haut, c’est vers le bas qu’il faut le rechercher à la place du Sud, original, n’est-ce pas ?

 

Et c’est la Chapelle Sixtine !

Quelle cohue, quelle presse ! partout agglomérés les uns aux autres, des groupes, de toutes les tailles possibles : de la familiale à celle beaucoup imposante des touristes chinois ou japonais ! des murmures qui se transforment rapidement en petit vacarme d’où ces multiples rappels au « silenzio » lancés par des vigiles toujours aussi rigoureux ; bien évidemment impossibilité de faire la moindre photographie, et ce pour une raison simple, les travaux de restauration ayant été financés par Fuji, cette entreprise s’est réservé l’exclusivité d’exploitation de cette fantastique source d’images que représente la Chapelle Sixtine !

Ici c’est bien sûr l’univers de Michel-Ange ! Toute l’excellence de l’artiste y est représentée et à quelques 20 ans de différence (il y a 15 ans entre la fin du plafond, consacré essentiellement à la Création et à l’ancien testament, et le début du Jugement dernier. Restauration contestée, paraît-il, mais qui pour ceux qui comme moi ont connu les œuvres avant la dite restauration, offre quand même un merveilleux avantage : nous restituer ces immenses fresques telles que les contemporains de Michel-Ange ont pu les apprécier.

Je ne sais comment j’ai pu faire passer à deux petits neveux qui m’accompagnaient tout l’amour que j’éprouve pour ce Michel-Ange, ce peintre qui était capable d’injurier le pape Jules II qui lui avait commandé le plafond ; ce pape, au regard duquel, nos actuels souverains pontifes (Pontifex maximus) sont de véritables enfants de chœur, pensez que ce pape, lorsqu’il voulait se débarrasser d’un cardinal qui lui faisait un peu trop d’ombre, il lui envoyait sa plus chaude maîtresse, et le matin le pauvre cardinal avait passé l’arme à gauche (encore que la gauche ne soit pas une valeur tellement reconnue ici au Vatican !) ; eh bien ce Jules II, il avait hâte de voir achever ce plafond qu’il avait commandé, alors il venait régulièrement talonner Michel-Ange, et ce dernier de le rabrouer « Ne me faites pas ch… » lui disait-il dans ce vocabulaire si peu diplomatique.

On comprend mal, le revirement de l’Eglise quelques dizaines après, qui, offusquée par les nudités de certains personnages du Jugement dernier, a demandé à un peintre, de recouvrir ces nudités d’un caleçon … et dire qu’il a accepté !

Comment expliquer aussi bien la Genèse que le Jugement dernier si l’on a perdu toute culture religieuse (le paradoxe n’est qu’apparent pour le mécréant que je suis : une chose est de refuser toute réalité divine – de n’importe quel dieu, du reste,- et une autre chose est de connaître l’histoire religieuse pour pouvoir apprécier à sa juste valeur la création artistique) ; peu m’importe qu’il y ait un jour où une divinité viendra rendre compte du bien et du mal, et juger les pauvres humains morts en fonction de ce bien et de ce mal ; mais ce qui m’importe c’est la façon dont Michel-Ange s’est emparé de ce texte pour en faire une œuvre d’art ; montrer tous les effets de perspective, toutes les attitudes humaines, savoir rendre un visage heureux et un autre rempli de crainte, savoir jouer sur toutes les couleurs pour donner vie à un texte dont, en fait, la symbolique n’échappe plus aux croyants.

Merveilleux Michel-Ange : on resterait des heures à admirer ces deux œuvres, surtout si on arrive à se trouver un banc de côté, car avoir trop longtemps la tête levée pour examiner en détail tout le plafond devient à la longue très fatiguant !

Mais comment oublier que la chapelle Sixtine est aussi réceptacle de tableaux fabuleux d’un Perugin, Botticcelli, Ghirlandaio ou Signorelli ? Des épisodes de la vie de Moïse et du Christ : traités avec cet art unique de la Renaissance, savoir adapter à une société donnée des textes anciens, en leur attribuant toutes les caractéristiques du moment ; il faut voir comment sont habillés les personnages, comment le cadre, le lieu ressemblent fort aux paysages romains (ou toscans, eh oui !), comment les palais participent de ceux qui furent construits au 15^e siècle !

Je passe sur une invraisemblable signalétique qui vous contraint à revenir case départ et recommencer tout le cycle pour accéder aux Chambres de Raphaël.

                      

Si je reconnais volontiers que la première des ces salles (pièce de réception des papes !) consacrée à l’empereur Constantin, à sa vision, sa conversion et la bataille du Pont-Milvius, est imposante par le volume et la consistance des tableaux, ce n’est pourtant pas celle que je préfère. Je reste toujours aussi impressionné par deux de ses fresques : « La libération de St Pierre », une merveille annonciatrice de la technique du clair-obscur,

                    

et aussi cette fameuse « Ecole d’Athènes », avec un sens impressionnant de la composition, de la répartition de l’espace et du mouvement, symbolique du dynamisme et de la suprématie de l’intellectuel ; on recherchera pour l’anecdote les places accordées à Dante et … à Raphaël lui-même !

 

Si après de telles émotions vous êtes encore capables de digérer une quelconque œuvre, alors, là, je vous tire mon chapeau ... si vous ne savez pas où aller manger, je vous conseille la cafeteria à l’intérieur du Musée, on y mange très bien pour un prix fort raisonnable, et même avec un petit vin blanc fort respectable : ne jamais oublier que Frascati, l’un des hauts lieux viticoles n’est guère qu’à une vingtaine de kms de Rome, et qu’ignorer son vin blanc est un péché qu’aucun pape ne saurait absoudre !

 

Luigi Guarnieri : le vrai du faux !

Luigi Guarnieri : la double vie de Vermeer

 

Han Van Meegeren, peintre qui n’arrive pas à percer, va pourtant marquer la première moitié du 20^e siècle grâce à un talent exceptionnel de faussaire. Pour se venger des critiques, il décide donc de s’attaquer à un peintre, alors peu connu, Vermeer, et de « prolonger » son œuvre par quelques tableaux religieux. Il trompera tellement bien son monde que même les plus grands critiques et spécialistes se laisseront berner et seront enthousiasmés par la découverte de ces tableaux. Le maréchal nazi, tristement célèbre, n’échappera pas à cette duperie et achètera à prix d’or l’un de ces faux !

Je ne suis pas sûr qu’il faille aimer Vermeer – et j’en connais plus d’un qui sera séduit par ce roman – pour se délecter de cette histoire, car par delà l’histoire spécifique, tous les évènements tournent autour de cette éternelle question : qu’est-ce que la vérité, et qu’est-ce que le faux ?

Adaptée, comme le fait Guarnieri, au domaine de la peinture, cette démarche devient passionnante ! Et même si elle prend, nécessairement, des tournures très techniques, sur le traitement des toiles, la nature des pigments, les indispensables craquelures, etc … elle n’est jamais ni ennuyeuse ni rébarbative ; bien au contraire même, car toutes ces précisions extrêmes nous font plonger dans un univers de roman policier mais avec une technique narrative diamétralement opposée : il ne s’agit pas de trouver dans un meurtre tous les indices qui amèneront à la découverte du criminel, par contre on pénètre dans l’univers du faussaire qui met tout en œuvre pour réaliser ses faux tableaux.

L’histoire est-elle romancée ou non ? Cela nous effleure à de nombreuses reprises ;  on ne cède pourtant pas à la tentation d’aller procéder à quelques vérifications pour s’assurer de la réalité des faits que l’auteur avance ; on lui fait entièrement confiance et on plonge d’autant mieux dans son histoire que l’art de l’écrivain nous offre une remarquable diversité de styles : journaliste, expert, critique littéraire, mais aussi narrateur.

Si, assurément, l’auteur est un grand connaisseur de l’art pictural (on appréciera les clés qu’il fournit pour mieux comprendre l'oeuvre  de Vermeer – forcément le vrai … le faux ne faisant que les reprendre !), il l’est tout autant en matière littéraire ; il était certes tentant de reprendre Proust, et notre petite vanité patriotique est toujours flattée quand un étranger cite notre littérature (il est dommage que nous n’ayons pas le même réflexe, en sens inverse !!!).

Pourtant, derrière l’exemple de Proust, se trouvent assénées quelques vérités qui interrogent ; la première d’entre elles, où est la frontière du vrai entre ce que je vois et ce qui est ? la seconde qui en découle qu’est-ce qui doit être pour moi le plus important, ce que je vois et sens ou ce qui est supposé que je doive voir et sentir ? Faire la différence et choisir devient alors synonyme d’établir des critères de valeur (et l’on rejoint les pages sur la valeur des vrais et faux Vermeer).

Mine de rien, Guarnieri nous entraîne dans une réflexion qui dépasse largement le cadre du simple faussaire d’art, mais qui de fait nous engage tout simplement comme individu. La caricature suprême étant alors l’intervention de Goëring.

Un très bon roman, donc, qu’on lit avec plaisir, avec une mention spéciale pour la traductrice qui elle, au contraire du dicton italien et de ce roman, n’a pas été une faussaire !

 

PS Editions Actes Sud, 2006, 230p., 19,80€

Escapade romaine (2)

Comme notre esprit cartésien voudrait réussir à comprendre, à cerner ce qui rend cette ville, L’Urbs, aussi fascinante ! sans même se rendre compte que vouloir analyser dresser une barrière infranchissable entre soi et le charme de Rome.

Mieux vaut se laisser guider par le seul plaisir des yeux, et même s’il faut avoir recours à quelques ouvrages précieux pour mieux se situer dans le temps, rien ne vaut que l’errance parmi des lieux mythiques. 

Et pour moi, c’est toujours le même itinéraire, celui qui me remplit le plus d’aise, car il commence par la frontière entre la Renaissance et le baroque : le palais Farnese, Michel-Ange travailla à sa façade, sans la voir achevée, et Raphaël y peignit parmi ses toiles les plus célèbres. Siège de l’ambassade de France, il émane de ce palais une élégance et une prestance telles qu’on en oublie très facilement le drapeau tricolore qui ondule sur sa façade (il faut dire aussi que patriotisme et art n’ont jamais fait bon ménage !) ; j’aime cette place, le matin ou en fin d’après-midi, quand le soleil joue à cache-cache avec une bonne partie d’elle, mais laisse deviner ce sarcophage « emprunté » par les Farnese aux thermes de Caracalla ; mais n’avaient –ils pas tous les droits ces Farnese qui avaient permis et surtout financé les fouilles desdits thermes ?

 

J’aime aussi cette petite place du Campo dei Fiori, marché emblématique romain, et j’ai toujours une pensée émue pour Bruno Giordano qui y fut brûlé en 1600 ; hérétique, pour avoir défendu les idées de Copernic et surtout voulu en tirer des conséquences scientifiques trop dangereuses pour l’Eglise ? ou condamné parce que moine aux moeurs quelque peu dissolues, se plaisant un peu trop dans l’intimité de jeunes garçons ? Allez savoir, les voies du Seigneur et de ses représentants sont tellement impénétrables.

Quand je ne reste que peu de temps à Rome, je vais en ligne quasi directe à St Louis des Français, où je m’incline devant un autre pestiféré de l’art, mais tellement talentueux, le Caravage.

                   

Hélas, je ne suis pas politique ou politicien, mais je ne suis jamais encore rentré au Palais Madame, siège du Sénat ; et en cette période très agitée de la vie politique italienne, s’il est un lieu bien gardé, c’est bien lui et son homologue pour la Chambre des députés, le Palais Montecitorio … j’avoue mon faible pour ces deux palais qui ne sont pas les plus beaux, mais s’il ne fallait admirer que ce qu’il y a de plus beau, y arriverait-on seulement, tant on aurait du mal à se mettre d’accord sur les heureux élus !!!

L’un des clous de la Rome baroque, c’est bien la Place Navone.

               

Pour y être tranquille allez-y avant les 10heures du matin, sinon, votre vision en sera altérée par cette multitude de touristes qui s’y pressent et que nombre de commerces en tout genre essaient d’attirer. En temps ordinaire, et en des lieux que je découvre, la vue de tous ces moutons, victimes du tourisme le plus éculé qui soit, a le don souverain de m’agacer ; mais la place Navone, je la connais si bien, et m’y suis toujours si bien senti que j’arrive à faire abstraction de cette foule, pour ne voir et ne jouir que de ce qui me semble essentiel…

Je ne peux m’empêcher de me rappeler cette étude sur l’Italie de la Renaissance faite par Buckhardt … et ces épisodes qu’il rappelle du Carnaval Romain, où, la place Navone, inondée, voyait des joutes navales, ou encore des attelages de nobles romains renversés par le peuple en liesse …

 

Je ne peux m’empêcher de penser à cette jeune romaine, une certaine Agnès qui préféra subir le martyr plutôt que d’épouser un patricien romain …

Je ne peux surtout m’empêcher de revisiter la grande rivalité entre le Bernin et Borromini ; ce dernier ayant construit, l’église Ste Agnès in Agone, un des exemples presque parfait de l’architecture baroque, le Bernin dans un accès de jalousie, donna à l’un des fleuves de sa gigantesque Fontaine des Fleuves, une attitude de révulsion telle qu’il lève le bras comme pour se protéger de la chute éventuelle de l’église.

On peut dire ce qu’on veut du Bernin, mais cet artiste avait vraiment le sens de la sculpture ; et la place Navone nous en donne un magistrale exemple ; certes il y a donc cette Fontaine des quatre fleuves, mais allez détailler la fontaine au sud de la place, celle dite du Moro … rêvez avec tous ces jets d’eau, ébattez-vous avec les dauphins et ou encore rassasiez-vous de tous les mots que semblent vous adresser ces visages aux regards si énigmatiques !

D’accord, la fontaine du Nord de la place est beaucoup plus récente, mais même datant de la fin du 19^e siècle, comme son dessin, du Bernin aussi, respecte l’unité de la place !

 

Des heures durant je suis resté à les admirer, arrivant jusqu’à me pénétrer que ces statues, il ne leur manquait qu’une seule chose, c’est d’avoir le même souffle humain que moi.

Et si, après tant d’émotion, il vous faut vous détendre, alors n’hésitez pas à entrer dans le café qui fait face à l’église, le café y est excellent, et à peine plus cher qu’en ville, c’est peu dire ! Curieusement j’y ai aussi testé le vin blanc – rien de meilleur que ce verre de 11h, tant le vin blanc dei castelli romani est parmi les plus bons crus qui puissent se déguster ! -, et pourtant je n’en ai gardé aucun souvenir …

Le Panthéon vous attend, certes, et ayez des yeux d’amoureux pour son obélisque comme pour celui de « petit éléphant » dans une place toute proche.

                    

Je ne suis guère attardé Place de Montecitorio et place Colonna, toutes deux bouclées par les forces de l’ordre, il y  avait une séance très importante à la Chambre des députés ; je n’ai pris que le temps de saluer la fontaine place Colonna ; dès qu’il y a un brin de soleil, elle prend alors une de ses teintes orangées qu’on ne rencontre que très rarement, comme à la Fontaine Place du Quirinal, ou encore celle du Palais Farnese. Je me suis toujours délecté de cette couleur, indissociable pour moi de la chaleur romaine.

                    

De là à la Fontaine de Trevi, il n’y a que quelques dizaines de mètres.

O Dio ! Ai-je jamais vu autant de gens sur cette place ? Je n’en suis pas sûr ! Faut-il vraiment jeter en arrière une pièce de monnaie dans ce bassin pour être sûr de retourner à Rome ? Je n’ai du, par amusement, accomplir ce geste qu’une seule fois, et pourtant je ne compte plus mes séjours romains.

 

Mastodonte cette Fontaine, c’est le moins qu’on puisse dire, mais comme elle s’harmonise parfaitement avec la forme de la place qui l’accueille ! On dit que son architecte a repris, un siècle plus tard, un dessin du Bernin ; pourquoi pas ? En tout cas, l’on comprend parfaitement pourquoi un Fellini a été impressionné par elle, et en a fait une des scènes cultes de sa « Dolce vita ».

Vous vous interrogez sur la présence de l’eau à Rome, et sur l’utilisation qui en est faite, en particulier avec toutes les fontaines que vous pouvez rencontrer ; vous ne les verrez pas toute, il y en aurait un millier, mais comme beaucoup sont dans des cours intérieures privées, vous vous contenterez de celles publiques, et croyez-moi cela en fait un bon paquet : j’ai essayé autrefois de les dénombrer … je suis arrivé à 200 environ, mais… en en ayant sûrement omis ! (puisque lors de ce dernier séjour, j’en ai rencontré d’autres, eh oui !!!) L’eau, mais est-ce un problème à Rome ? Oh que nenni ! Le sous-sol des collines avoisinantes en regorge à volonté, il suffisait de construire les aqueducs nécessaires, ce qui firent très bien les Romains (il en reste encore un en usage !) ; et cette eau est délicieuse, et croyez-moi, lorsqu’il fait sur les 40 degrés, en été, il n’y a pas de meilleur rafraîchissement !

 

Si vous n’êtes pas trop fatigué de votre journée, allez-donc l’achever sur un autre haut lieu du baroque : la piazza di Spagna et la Fontaine de la Barcaccia, petit joyau du Bernin, encore lui !

Là aussi beaucoup de monde, sur les escaliers qui mènent à la Trinité des Monts, mais cela s’accorde tellement bien avec le climat de nonchalance qui entoure place et escaliers …

Pour la route, juste histoire de dire que je ne vous aurais pas tout caché, une dernière photo, celle d’un petit obélisque que j’aime beaucoup ; il y a en beaucoup à Rome de ces petites merveilles, celui du petit éléphant, ou encore celui du Pincio (je n’y suis pas retourné et donc je n’ai pas de photos récentes !) ; non, celui-là, il est piazza Repubblica, caché au milieu d’arbres, mais comme il est beau …

                     

Qu’il puisse occulter l’infâme enseigne d’un Mac Donald dont on se demande comment il a pu avoir l’autorisation d’ouvrir dans un tel lieu, face à l’une des plus belles fontaines de Rome !

Philippe Beaussant : baroque et roman !

Philippe Beaussant : Le Rendez-vous de Venise

 

Est-il besoin de présenter Philippe Beaussant ? Figure emblématique, s’il en est de l’esthétique baroque. Ses ouvrages aussi bien documentés qu’argumentés et d’une étonnante lisibilité sont la référence par excellence. Même si je savais qu’il avait commis quelques romans, je n’avais jamais eu la tentation de me plonger dans l’un d’entre eux.

L’occasion, imprévue, se présenta, et impossible de me dérober à ma curiosité.

D’autant que lorsqu’on mentionne Venise, il y a quelque chose en moi de complètement irrationnel qui se réveille … même si par la suite je dois être déçu, y compris lorsqu’il s’agit de très grands écrivains.

Mais que pouvait donner la conjonction d’un érudit baroque et la création romanesque du même érudit portant (tout au moins en titre) la référence à Venise, autre très grande patrie du baroque ?

Pouvait-il y avoir une autre histoire si tant est qu’un auteur s’inspire aussi de sa propre réalité ? Charles un esthète de la peinture baroque et pré baroque et aussi enseignant, aura une très brève liaison avec Judith, une de ses étudiantes bien plus que jeune que lui. Pierre, le neveu de Charles, qui lui a servi très longtemps de secrétaire, va découvrir, à sa mort, un carnet intime et cette liaison. Le hasard le fera la lui rencontrer, elle et sa fille …

Je ne vous en donnerai pas la fin, car il faut quand même conserver un certain suspense à ce récit ; mais surtout parce que j’ai été déçu de cette fin, trop conventionnelle, voire trop facile, et que je regrette par ailleurs pour ce récit qui exerce un attrait indubitable sur le lecteur.

Alors en quoi cet attrait ?

D’abord cette liaison profonde entre l’être humain, fait de chair, de réactions et de sentiments, et le monde de la création picturale ; liaison certes mais aussi fusion : réussir à discerner la personnalité d’une personne rencontrée grâce à la connaissance qu’on a pu avoir de l’être humain en général à travers le regard de peintres et de celui qu’on a pu porter sur leurs toiles, est une idée qui me plaît beaucoup ; elle est loin d’être farfelue ou marotte d’un esthète attardé, elle montre au contraire à quel point l’humain est tributaire de ce qu’il crée et comment sa création influe sur le monde réel rencontré.

Ce qui me plaît aussi dans la très brillante et fascinante illustration qu’il fait de cette idée, c’est sa transposition sur le plan des sentiments ; à l’érotisme débridé voire à la pornographie déprimante qui s’empare trop souvent de notre littérature, Philippe Beaussant explore cette autre conception de l’amour, lien absolu entre des impératifs physiques et des exigences spirituelles ; lien qui exige également qu’il n’y ait nulle prépondérance de l’un de ces termes.

Il y a une très grande pudeur chez cet auteur mais ce n’est pas par un souci d’une moralité ou d’une pudibonderie excessive, non ; on sent bien que le respect de cette conception de l’amour a ses propres exigences et ne peut être défloré par débordements que même le lecteur le plus coquin n’attend même pas !

Théoriser sur un roman, c’est sans doute très bien, à l’instar de ce gourmet qui va décortiquer la recette de tel ou tel chef pour mieux l’apprécier … mais lire le roman, comme savourer ladite recette, c’est encore mieux ; et si mes quelques commentaires vous ont mis l’eau à la bouche, alors n’hésitez pas un instant !

 

PS Livre de Poche, 2005, 187p., 5€

 

Benjamin Britten : un compositeur majeur !

Benjamin Britten : Le Tour d’écrou

 

J’avais lu autrefois la nouvelle de Henry James, dans le même temps que j’avais découvert l’opéra de Britten donné sur Arte. L’œuvre – c’est-à-dire aussi bien la littéraire que la musicale – m’avait tellement fasciné que je m’étais bien promis d’assister à cet opéra dès que l’occasion m’en serait donnée.

On a tellement l’habitude d’opposer le 19^e siècle, le siècle de Opéra par excellence, au 20^e qu’on fait injure à tous les grands noms qui le siècle dernier ont enrichi le catalogue opéristique de purs joyaux : de Debussy à Berio en passant par Berg ! Et sans oublier peut-être le premier d’entre eux, Benjamin Britten !

Je ne saurais qualifier l’initiative du Théâtre de Rennes d’avoir programmé la production de l’Opéra National de Bordeaux,

Je ne saurais non plus qualifier cette production elle-même, tant, lorsqu’on sort de cette représentation on est rempli d’une musique et d’une dramaturgie exemplaires.

Je ne pouvais dire autre chose : « que c’est beau ! » tant j’étais dans l’incapacité d’analyser le moins du monde tout ce qui faisait l’excellence de ce à quoi je venais d’assister. Mon esprit et mon être tout bouleversés qu’ils étaient encore de ces voix et de cette musique uniques, se refusaient à sortir de ce cocon de bien-être absolu pour tenter d’en trouver les raisons.

Et pourtant elles sont bien là, celles qui ont produit un tel chef d’œuvre !

A commencer par cette unité totale qu’il y a entre texte et musique : une fusion telle qu’on pourrait croire que les auteurs en sont les mêmes, malgré le demi-siècle qui les sépare : l’apparente légèreté du début qui peu à peu se transforme en appréhension puis drame, la musique la reproduit avec une fidélité étonnante, l’épouse même jusque dans ses moindres développements ; à preuve le contraste saisissant entre le prélude, presque badin, et la conclusion de l’opéra, en quatre (ou cinq, je n’ai pas compté !) accords très brefs et en mezzo forte soulignant s’il était en était nécessaire la vanité de toute expression face à la mort, et à la fin de l’innocence. Ou encore cette inimaginable fusion entre le piano réel, dans la fosse, et le virtuel sur scène : placé comme je l’étais, je pouvais voir les mains de la pianiste dans la fosse et celles du gamin sur la scène … mais où était donc la réalité ?

Que dire de cette tension dramatique qui part de presque rien, (une situation des plus banales fin 19^e siècle dans une bourgeoisie au faîte de sa grandeur, une gouvernante chargée de pourvoir à l’éducation de deux orphelins.) mais qui fait émerger des faits d’envoûtement et d’une vengeance qui se veut implacable sur les deux enfants. J’ai presque regretté de connaître cette histoire, car je suis intimement convaincu qu’à l’écoute de la seule musique on pouvait, même sans connaître le moindre mot d’anglais, deviner les péripéties de la trame.

Musique de la voix ! C’est sans doute un lieu commun que de dire que Britten savait écrire pour la voix ; mais là, comme dans son premier opéra (un autre chef d’œuvre !) Peter Grimes, les voix sont traitées … impossible à définir cette impression à la fois de total naturel, de maîtrise absolue tant dans la technique que dans l’expression : oui, d’une beauté absolue. Britten explore toute cette palette vocale dont rêvent tous les amoureux de la voix ; des vocalises envoûtantes de virtuosité à la complainte nostalgiquement langoureuse, ou encore aux dialogues vocaux croisés du quatuor, nous avons droit à un véritable festival vocal. Tous, du ténor Paul Agnew à la soprano Marie-Adeline Henry-Delhoume, en passant par Hanna Schaer ou Cécile Perrin ont été éblouissants, et tout autant excellents … mais alors que dire des enfants et en particulier de celui qui tenait le rôle de Miles ! Arrivé à 12 ans (peut-être 13, je n’ai pas vérifié !) mais avoir une telle maîtrise, une telle présence, un tel sens de la musique et du drame, et donc une telle maturité … saisissant. La réputation de la Maîtrise de Paris n'est plus à faire, mais voir qu’un de ses membres est capable d’un tel résultat, alors là mon admiration envers son chef n’en est que plus grande.

Musique des instruments ! Ma première réaction, lorsque j’ai vu la fosse, a été d’incrédulité : si peu d’instruments ! 11 solistes, représentant toutes les familles de l’orchestre ! Oui incrédulité et pourtant quand on entend le résultat, on a peine à imaginer que Britten ait pu se contenter d’un si petit effectif : il nous donne tous les effets d’un grand orchestre, avec le raffinement d’une percussion particulièrement développée.

Musique qui colle  parfaitement au texte, mais qui, en même temps a une vie propre dont la richesse provient du fait qu’elle explore à fond tous les domaines : les timbres, les variations rythmiques, les nuances, la bi-tonalité, ou même carrément l' atonalité. On est aux antipodes d’une musique de recherche, tout au contraire on est en présence d’un compositeur qui a su assimiler toutes les recherches de son temps pour créer son propre langage ; et le moins qu’on puisse dire c’est qu’il est porteur d’une richesse émotionnelle unique.

Un grand coup de chapeau au chef dont j’ignorais, à ma grande honte, le nom : Tito Munoz, dont le parcours musical est déjà fortement impressionnant. Une très grande personnalité qui a su tirer le meilleur de cette partition déjà si riche !

Et cerise sur le gâteau, le décor et la mise en scène qui ont su parfaitement s’intégrer à l’opéra. Aucune tentation moderniste ou avant-gardiste de mauvais aloi, comme se plaisent à cultiver certains metteurs en scène de renom (hélas !), simplicité et efficacité semblent avoir présidé à la conception, tout étant fait pour permettre au spectateur de rentrer dans la moindre difficulté dans l’univers de Britten, et en ce sens c’est totalement réussi ; avec bien entendu un clin d’œil, l’utilisation à deux moments d’une loge ou du parterre pour mieux rendre compte des évènements dramatiques.

Merci donc à  l’Opéra de Rennes pour cette très très grande soirée, une de celles qui vous marquent à jamais et dont vous n’êtes pas prêts d’oublier toutes les émotions procurées.

Verdi, Riccardo Muti, la culture au centre de la politique !

 

J’ai reçu d’un ami ce texte et la bande son qui l’accompagne.

Et vous dire que j’ai eu la gorge serrée est peu dire … 

 

Nabucco de Verdi fut, au moment de sa création en 1842, le symbole du Risorgimento italien
(les partisans de l'indépendance jouèrent d'ailleurs sur le nom du compositeur = Verdi étant l'acronyme de «Victor-Emmanuel, roid'Italie»). Son voeu : qu'il ne devienne pas, en 2011, son éloge funèbre.

Le chœur des esclaves de Nabucco … une interprétation exceptionnelle !!
Explication de la vidéo que vous allez voir : en présence de Berlusconi, le chef d'orchestre fait reprendre avec le public le chant de la liberté des esclaves de Verdi.

Le 12 mars 2011, Silvio Berlusconi a dû faire face à la réalité.
L’Italie fêtait le 150ème anniversaire de sa création et à cette occasion fut donnée,
à l’opéra de Rome, une représentation de l’opéra le plus symbolique de cette unification : Nabucco de Giuseppe Verdi, dirigé par Riccardo Muti.

Nabucco est une œuvre autant musicale que politique : elle évoque l'épisode de l'esclavage des juifs à Babylone, et le fameux chant « Va pensiero » est celui du Chœur des esclaves opprimés. En Italie, ce chant est le symbole de la quête de
liberté du peuple.

Mais avant la représentation, Gianni Alemanno, le maire de Rome, est monté sur scène pour prononcer un discours dénonçant les coupes dans le budget de la culture du gouvernement. Cette intervention politique, dans un moment culturel des plus symboliques pour l’Italie, allait produire un effet inattendu, d’autant plus que Sylvio Berlusconi en personne assistait à la représentation.

 

Riccardo Muti, le chef d'orchestre, raconte ce qui fut une véritable soirée de révolution :
« Nous avons commencé l’opéra, mais lorsque nous en sommes arrivés au fameux chant *Va Pensiero*, j’ai immédiatement senti que l’atmosphère devenait tendue dans le public. Au moment où les gens ont réalisé que le *Va Pensiero* allait démarrer, la salle s’est remplie d’une ferveur viscérale car les esclaves chantent
alors: « Oh ma patrie, si belle et perdue ! ».
Alors que le Chœur arrivait à sa fin, dans le public certains s’écriaient déjà :« Bis ! »
Le public commençait à crier « Vive l’Italie ! » et «Vive Verdi ! »

Muti hésitait à accorder le « bis » pour le *Va pensiero*. Mais le public avait déjà réveillé son sentiment patriotique. Le chef d’orchestre s’est alors retourné faisant faceà la fois au public et à M. Berlusconi, et voilà ce qui s'est produit : On entend crier dans le public : "Longue vie à l'Italie !"

Le chef d' orchestre Riccardo Muti répond :
"Oui, je suis d'accord avec ça, "Longue vie à l'Italie" mais.... Je n'ai plus 30 ans et j' ai vécu ma vie, mais en tant qu'Italien qui a beaucoup parcouru le monde, j'ai honte de ce qui se passe dans mon pays. Donc j'acquiesce à votre demande de bis pour le "Va Pensiero". Ce n'est pas seulement pour la joie patriotique que je ressens, mais parce que ce soir, alors que je dirigeais le Chœur qui chantait "O mon pays, beau et perdu", j'ai pensé que si nous continuons ainsi, nous allons tuer la culture sur laquelle l'histoire de l'Italie est bâtie, auquel cas, nous, notre patrie, serait vraiment
"*belle et perdue*."
[Applaudissements à tout rompre, y compris des
artistes sur scène]
"Si vous le voulez bien, je vous propose de vous "Si vous le voulez bien, je vous propose de vous joindre à nous pour chanter tous ensemble."
C’est alors qu’il invita le public à chanter avec le Chœur des esclaves.
Tout l’opéra de Rome s’est levé. Et le Chœur s’est lui aussi levé. Ce fut un moment magique dans l’opéra.
Ce soir-là fut non seulement une représentation du Nabucco, mais également une déclaration du théâtre de la capitale à l’attention des politiciens.

Regardez ce moment magique en recopiant l'adresse

ci-dessous dans votre URL :

Mettre en grand écran et augmenter le son.

http://www.youtube.com/watch?v=gaXE0v0bJoE&feature=related

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Que vous aimiez ou non Verdi, faites circuler ce texte et la bande qui l’accompagne … car ce qui est valable en Italie, l’est tout autant, hélas, en France !

 

 

 

Ecoles de musique : une richesse inestimable !

La bonne santé musicale des Ecoles de Musique

     

 

Rien de tel qu’une audition d’élèves, même si accompagnés par des professeurs, pour juger du dynamisme et de la réalité des activités d’une Ecole de musique.

Et la preuve nous en a été fournie avec brio lors des deux auditions que l’Ecole de musique de Saint-Grégoire, associant pour la circonstance celles de Betton et de Bourg l’Evêque a proposées les 1^er et 4 février.

Certes, si vous y allez avec cette idée (aussi stupide qu’irréaliste !) que vous allez entendre des petits génies qui vous feront frémir de plaisir autant que les plus grands solistes, alors, abstenez-vous et renfermez-vous dans votre petit égoïsme à déguster en solitaire vos CD préférés.

Il est évident que les élèves ne peuvent avoir déjà (ou alors leur présence en école de musique ne signifierait plus rien !) toutes les qualités et la perfection des plus grands, mais ce qui importe c’est ce qu’ils sont capables de vous montrer et de vous faire percevoir ; ce petit gamin qui tente d’apprivoiser le clavier d’un clavecin et qui est déjà à même de vous intéresser par sa présence, ou encore ces jeunes adolescents qui vous donnent une autre vision d’une pièce de la suite en si mineur de J.S. Bach, malgré les erreurs qu’ils ont pu commettre (mais pourquoi messieurs les puristes voulez-vous qu’ils n’en fissent pas ? n’avons-nous pas d’exemple où même les plus grands interprètes sont capables de faire d’invraisemblables fautes que même un débutant saurait éviter ?) sont pour moi prometteurs pour tout ce qu’ils montrent en toute simplicité :

      

-      d’abord cette ténacité qu’il faut pour s’approprier un instrument, quel qu’il soit (il n’y en a pas de plus facile qu’un autre, balayons une bonne fois pour toutes ce préjugé !) ; ténacité et courage car tout apprentissage en nécessite, et très souvent il faut surmonter le découragement ; c’est sans doute aller à contre-courant par rapport à notre temps où la facilité exige zapping et surtout non approfondissement (trop fatigant !!!) !

-      ensuite, ils me plaisent ces jeunes, car le plaisir qu’ils manifestent à l’évidence, sera aussi celui qu’ils auront, adultes ; et en plus fort encore, car leur maîtrise de l’instrument s’affirmant de plus en plus, ils auront alors la possibilité et la joie d’aborder avec des exigences encore bien plus grandes les rivages encore exaltants de la musique … et n’est-il pas le plus appréciable ce plaisir comme aboutissement de multiples efforts ?

-      Intéressant enfin de montrer que la musique n’est pas seulement un plaisir individuel, même si cela rentre pour une grande part dans l’apprentissage même de l’instrument, mais qu’elle est aussi une pratique sociale et socialisante : former un groupe et lui permettre de s’affirmer comme passeur d’une œuvre c’est faire progresser toute la société, car il ne saurait y avoir de société si elle n’est  qu’une somme d’individus, ou une juxtaposition d’êtres qui ne vivent que pour eux ! Je n’en voudrais que comme preuve ce mouvement d’un concerto de Vivaldi joué par un ensemble de jeunes, certes sous la direction de leur professeur.

                          

S’il y avait donc des lieux où donner des leçons de vie personnelle et sociale, l’école de musique, telle qu’elle a pu apparaître dans ces deux auditions, en serait un par excellence.

Mais il y a plus encore !

Il fallait écouter tous ces adultes qui eux-aussi en toute simplicité se sont produits ; ils ne se prennent pas la tête, mais ils présentent que ce qu’ils savent faire … et bien ; toutes les qualités qu’on peut demander à des amateurs étaient là : c’était propre, bien place, et même s’il y a pu avoir çà et là quelques petites erreurs, elles ont été immédiatement corrigées, et en tout cas n’ont en rien entravé la suite du morceau ; comment l’auditeur aurait pu ne pas apprécier ? Que ce soit  en petites formations comme dans la Folia de Schikhardt, ou en ensemble plus étoffé, comme dans la Deuxième suite de Water Music de Haendel, apparaissent alors toutes les qualités que la pratique de la musique développée dans certaines écoles de musique peut apporter : rigueur, discipline, contrôle de soi, certes, mais aussi émotions, plaisirs, le sien propre comme celui, encore bien plus fort, de partager avec d’autres la beauté d’une œuvre.

     

Cerise sur le gâteau lors de ces deux auditions : l’intervention de personnes étrangères à ces écoles de musique, mais dont la présence n’est due qu’à ce tissu ou ces réseaux que savent tisser entre eux de nombreux musiciens tant professionnels qu’amateurs.

Le 1^er février ce fut l’interprétation d’une cantate de Buxtehude (1) ; et là comme pour beaucoup d’autres œuvres, il faut admirer l’intelligence des professeurs qui ont présidé à la réalisation de ces deux auditions : il n’y a rien de plus terrible qu’un son unique de flûtes à bec, mais mélangez-le au clavecin et/ou avec quelques cordes et miracle de la musique, la mayonnaise a tellement bien pris que cette cantate de Buxtehude fut un délice pour nos oreilles ; ajoutez la présence d’un chœur magistralement dirigé, et de trois solistes, dignes de professionnels … et vous comprendrez mon enthousiasme !

                    

Comme celui que j’ai eu le 4 février avec l’intervention de la Saltarelle !

                      

Ah avec quel dédain certains professionnels évoquent ces amateurs qui osent se produire ! mais si vous ne donnez pas l’occasion à ces mêmes amateurs de se produire, comment-voulez-vous qu’ils progressent, car le but final est bien de faire apprécier à d’autres son travail et de faire encore une fois partager à d’autres ses émotions. Or la Saltarelle, je m’en souviens, il y a quelques années, je n’aurais pas parié un kopeck sur eux, tant j’avais l’impression que cet ensemble de danse était arrivé à son maximum, c’est-à-dire peu de choses …eh puis, au fur du temps, de la persévérance et d’un travail rigoureux, les progrès sont apparus, et j’avoue qu’ils sont arrivés à un certain niveau que je n’aurais absolument pas soupçonné ; c’est dire le plaisir que j’ai eu ce 4 février à les voir ; plaisir d’autant plus grand qu’il y a eu conjonction entre les danseurs et les musiciens qui ont interprété in vivo les pièces sur lesquels ils ont exécuté figures et autres pas imposés.

Transversalité, mot à la mode, de deux disciplines, musique et danse, il y a vraiment matière à réflexion et avoir seulement permis de l’envisager est aussi un des mérites de cette deuxième audition !

                       

Je ne sais pas s’il y avait dans la salle des responsables politiques des communes dont dépendent ces écoles de musique. S’ils y étaient, j’espère alors qu’ils auront pris la mesure de l’impact civique et social de la musique et surtout des efforts faits dans ce sens par ces écoles. Il serait juste que, une fois que l’Etat aura repris à sa charge ce qu’il a fort injustement confié aux collectivités territoriales, ces mêmes collectivités réinvestissent dans leurs écoles de musique pour qu’elles puissent non seulement survivre mais amplifier ces actions remarquables qu’elles ont initiées et dont nous avons vu les premiers fruits lors de ces deux auditions.

 

(1)       Comme pour tous les auteurs que j’ai cités, comme je n’ai pas le courage de vous donner ni les dates ni, encore moins, des données biographiques, je vous laisse à vos histoires de la musique, que je suis sûr que vous possédez dans votre bibliothèque … comme tous les Français !!!

PS Il est évident que ce que je viens d’écrire n’est pas spécifique aux deux seules écoles de musique citées, et que l’on trouvera par la force des choses beaucoup d’autres exemples en France ! Qu’on me pardonne de ne pas les avoir citées, mais je n’ai parlé que de ce que je connais … et encore si mal !!!