EONTOS

Titanic : quel naufrage !

Etrange ! Lorsqu’il était sorti en salle, il y a quelques années, j’avais beaucoup aimé ce film. Et l’autre soir, pour me changer de la menterie éhontée d’un Président-candidat tout autant éhonté, j’ai voulu revoir ce film que la télévision nous offrait, dans le cadre du centenaire du naufrage de ce grand paquebot.

Quelle désillusion ! Et pas seulement pour le simple fait que, diffusé sur le petit écran, il ne pouvait avoir l’effet de suggestion que donne la projection en salle et sur grand écran.

Non, désillusion pour deux grandes raisons.

La première est bien qu’on est en présence d’un film manichéen dont raffole le cinéma américain : une première partie euphorique, gentillette, avec des conflits de personnes, mais tout ce qu’il y a de plus normal (cela m’a étonnamment rappelé « The day after ») ; il faut vraiment chercher et faire très attention pour penser qu’il va y avoir un drame ; c’est juste le coup du directeur de la compagnie qui  demande au capitaine d’augmenter la vitesse du bateau et peu après la dépêche annonçant la présence d’icebergs.

Manichéen aussi à l’intérieur de cette première partie les rapports de classe entre ce petit morveux de troisième classe qui prétend tomber amoureux de la jeune fille de la haute société. Certes, c’est sympathique et cela sent bon son romantique, surtout lorsqu’on sait ce jeune homme dessine parfaitement et serait en quelque sorte un artiste maudit, ignoré de son temps. Et pour faire bien évidemment un peu plus populaire, on sent les sympathies réelles et affichées du cinéaste pour ce Jack.

Bref une première partie qui m’a tellement ennuyé que je me suis absenté une bonne demi-heure, me demandant comment j’avais pu rester autrefois en salle pour le voir !

Quand je suis revenu, la seconde partie avait commencé, d’accord j’avais raté la scène mythique celle où notre héros et la belle Rose s’envoient au septième ciel dans cette voiture de luxe au fond de la cale du bateau ; certes j’avais aussi manqué l’autre scène où ce merveilleux bateau insubmersible heurte l’iceberg fatal ! j’ai donc assisté quand même à cette très longue partie qui pendant une heure et vingt minutes nous décrit le drame. Il y a un je ne sais quoi de morbide à vouloir ainsi détailler la fin de ce bateau et le comportement de tous les protagonistes, jusqu’au pathos où le fiancé de Rose veut la tuer elle et Jack.

Pour rendre la panique qui a du inévitablement se produire, et pour montrer les attitudes des responsables, jusqu’au capitaine qui va s’enfermer dans le poste de pilotage, ou encore cet officier, qui dans un acte de folie tue un passager pour rétablir l’ordre et tout de suite après se suicide, cela oui, il a su le faire le Cameron … mais pourquoi tant de complaisance à décrire cette fin atroce ? Nous le savons tous que plongés dans une eau glacée, on n’a que très peu de minute à vivre, mais alors pourquoi s’étaler sur ces moments ? Il aurait sûrement mieux rendu l’atmosphère de cette situation dramatique en étant beaucoup plus sobre.

Artificielle devient alors cette opposition entre les « riches » de la première classe qui, pour la plupart, s’en sortiront, et les « pauvres » de la troisième classe qui, pour la plupart périront. A s’y attarder ainsi on la réduit alors à la simple expression de la lutte pour la vie, réduisant à néant son aspect lutte de classes. Je m’en voudrais de douter un instant de la véracité de ce qui nous est raconté, et je pense même qu’il y a de très fortes chances que cela se soit passé ainsi, mais ce qui me gêne profondément c’est qu’à montrer avec tant d’impudeur cet évènement tragique, sa réalité et la perception qu’ont pu en avoir les principaux intéressés en soient complètement dénaturés.

Je ne sais plus quel critique disait à propos de l’œuvre d’art, que sa principale caractéristique était bien celle de passer à la postérité, et que le chef d’œuvre du 17^e serait toujours reconnu comme un chef d’œuvre au 20^e siècle ; eh bien, en dehors de sa valeur évènementielle relancée par le centenaire du naufrage,  je ne pense pas que le Titanic de Cameron résistera à l’épreuve du temps.

Et comme disaient nos amis les latins « sic transit gloria mundi … »

 

PS  A réfléchir un peu plus, il me semble que si j’ai été en fait si mal à l’aise devant cette diffusion, c’est tout simplement parce qu’elle ne peut que sonner totalement faux à partir du moment où l’on sait que tout a été réalisé en maquette ; et que donc, face à ce qu’on nous présente comme dramatique, on ne peut s’empêcher de considérer qu’il ne s’agit que d’un jeu. Et c’est sûrement à cause de cette nouvelle perception que ce film m’est alors paru mille fois trop long et surtout morbide.

Habemus papam : Nanni Moretti et Michel Piccoli, éblouissants !

Habemus Papam (1)

 

Quel film !

J’avais une quelconque appréhension en allant le voir, autant par les critiques très favorables que j’avais lues, que par certains avis plus nuancés d’amis très chers.

Et si l’on tient compte de notre passé soumis, qu’on le veuille ou non, à la très forte influence des religions monothéistes et de la catholique tout particulièrement, je ne pouvais  qu’être dubitatif sur le ton critique annoncé de ce film.

Eh bien malgré tout cela, je dois avouer que j’ai été totalement séduit par ce film.

Ah sacré Nanni Moretti !

Il a su reproduire exactement l’ambiance que j’ai toujours imaginée, en visitant la Chapelle Sixtine, de ces conclaves qui n’en finissaient pas d’élire un pape ; très drôle, ces cardinaux qui se prennent la tête devant un devoir ardu à réaliser, ils sont tellement bien assimilés à ces élèves remplis de l’angoisse de la page blanche ; le coup du stylo qui martèle les pupitres est remarquable.

Et tout le film sera plein de trouvailles : les cardinaux assistant à la première séance de psychanalyse du nouveau pape ; les mêmes cardinaux, se mettant à danser sur une chanson à la mode, qui parvient, à un très haut niveau de puissance, des appartements du pape. Les mêmes cardinaux disputant un invraisemblable tournoi de volley-ball, avec spécialement tous les effets qui sont tirés du ralenti des images ! sans oublier cette scène qui mérite d’être retenue dans toutes les anthologies : des religieuses et cardinaux investissant une salle de théâtre où l’on donne la « Mouette » de Tchékhov, … mais ce n’est pas pour l’auteur russe qu’ils sont là, mais bien pour venir chercher leur pape …

Car on l’aura compris d’emblée, le drame c’est ce pauvre cardinal qui vient d’être élu pape, mais dont la charge lui semble impossible à assumer ; il en fallait du coffre pour jouer un tel rôle, et alors, chapeau bas, à Michel Piccoli ! Il est époustouflant de vérité, jusque dans le moindre détail (il faut le voir, simple fidèle parmi les anonymes fidèles, dans une église de Rome, écoutant le sermon convaincu d’un jeune curé !), et jusque dans son italien, oh certes parfait, mais prononcé comme un étranger (vous avez entendu parler italien Benoit XVI ?), et tellement vrai en même temps.

Mais où Michel Piccoli joue à la perfection, c’est bien dans cette crise profonde que traverse l’homme face au destin qui lui est confié. La révolte d’avoir été choisi (la force de son cri au moment où il devrait se présenter au balcon du Vatican !) l’impossible résignation lorsqu’il revient prier dans la Chapelle Sixtine, et en même temps la redécouverte de ce monde simple auquel il rêve de retourner ; c’est cet itinéraire, qu’on pourra trouver peut-être un peu long, dans la Rome d’aujourd’hui, avec cette scène quasi surréaliste où il improvise le discours qu’il aurait du tenir et qu’il ne tiendra évidemment pas.

Ce n’est pas très ecclésiastique ni conforme à la doctrine de l’Eglise, mais qu’importe, la critique est là : quand le droit canon affirme que l’homme doit se soumettre à la volonté divine, Michel Piccoli affirme que l’homme doit avoir le libre arbitre de choisir s’il en est ou non digne. A une religion rigide et dogmatique (combien significative à cet égard est l’attitude du responsable civil du Vatican qui gère la situation !) Nanni Moretti oppose une conception humaniste qui nous rendrait la religion presque sympathique.

Mais heureusement dans ce conflit d’idées, il y a, intransigeant, mais non sectaire, le psychiatre appelé –et c’est très très drôle – à la rescousse par les autorités vaticanes qui ne savent comment se dépêtrer de ce pape qui ne veut pas l’être ! Et qu’on ne s’y trompe pas, derrière l’épisode où le psychaitre - Nanni Moretti - vante les passages de la Bible, ou encore derrière toute la scène de ce tournoi de volley-ball qu’il organise, il y a toute une conception qui tente de démonter les mécanismes d’oppression de tout pouvoir, y compris – et surtout - celui religieux.

Il y aurait encore tellement d’autres choses à dire sur ce film, en particulier tous ces petits clins d’œil, oh, ils ne sont pas grand-chose, mais ils nous plongent tellement et si justement dans l’atmosphère italienne et romaine ! Comme par exemple, la scène dans le café, ou encore celle dans la voiture de la femme du psychiatre !

Assurément, nous sommes en présence d’un très grand film, renforcé par des décors d’une extraordinaire vérité : il ne serait pas dit dans le générique de fin que la façade de Saint Pierre a été reconstituée en studio à Cinecittà, on se croirait réellement Place Saint Pierre.

La seule petite chose qui m’a gêné, la musique ne me semble pas à la hauteur du film : elle est trop impersonnelle, trop fade, ne mettant pas assez en lumière la problématique du film. Par contre lorsque la bande son, en presque fin de film, nous donne l’extraordinaire Miserere d’Arvö Part, on atteint un summum … malheureusement trop vite estompé par la musique du générique de fin.

Ceci dit, ne laissez pas passer cette occasion et de vous divertir et aussi de réfléchir ; quand les deux sont aussi intimement liés, il faut saisir l’opportunité !

 

(1)       Habemus papam : après la mort d’un pape, les cardinaux réunis en conclave élisent un nouveau pape ; et lorsque celui-ci est désigné, une fumée blanche qui sort du Vatican le fait savoir ; quelques instants après, le doyen des cardinaux annonce d’une fenêtre centrale du Vatican, la bonne nouvelle « Habemus Papam » (Nous avons un pape !).

 

PS Pour mes lecteurs rennais, « Habemus papam » passe encore une fois à Cinéville,  le Mardi 17 janvier à 20h15 et ce dans le cadre du douzième festival du cinéma italien, « Filmissimo »

Eric-Emmanuel Schmitt : un incontournable de la littérature

Eric-Emmanuel Schmitt : La femme au miroir

 

Vies de trois femmes : Anne de Bruges (15^e siècle), Hannah la viennoise (début 20^e siècle) et Anny l’actrice contemporaine de cinéma.

Si vous n’avez pas lu la quatrième de couverture (ce qui peut se faire, même de la part d’un lecteur chevronné comme moi … qui ai eu cet oubli, sans doute très intrigué par l’illustration de la première de couverture), vous vous demandez dès les premiers chapitres, pourquoi un seul roman, alors que, manifestement avec l’ossature proposée, il y avait matière à  trois romans.

Car la structure est d’une rigidité très stricte : un chapitre consacré à un moment de la vie d’Anne, le second toujours en forme de lettre, celle qu’Hannah envoie à une amie d’enfance et dans laquelle elle se raconte, et le troisième chapitre aux moments tumultueux d’Anny. Et ces trois vies sont tellement différentes ! La quasi sainte et mystique Anne, Hannah l’épouse modèle qui au contact de la psychanalyse va se transformer, et Anny excellente comédienne mais en proie à la drogue et à l’alcool.

Par un biais étonnant ces vies vont évoluer dans un tout autre sens que celui suggéré par les premiers chapitres ; Anne va être jugée pour sorcellerie et livrée aux flammes du bûcher, Hannah va quitter son mari, se réveiller comme femme libre, et même devenir psychanalyste, quant à Anny, elle va abandonner drogue et alcool et se libérer enfin de l’emprise souveraine de son imprésario.

Et vous allez vous rendre compte que ces trois vies ont quelque chose en commun ; des caractères féminins bien trempés, certes, mais ce n’est pas suffisant ; alors, des conditions régies par la même dramaturgie ? La sainteté d’Anne comparée à la rigueur et à l’avancée médicale de la psychanalyse ? pourquoi pas, mais cela me gêne aussi, comme me trouble aussi le fait de constater qu’Anny ne se libère de ses addictions que par amour (lesquelles addictions pourraient alors être comparées aux forces inquisitoriales qui condamnent Anne).

Si, comme moi, vous avez horreur du mysticisme et de la psychanalyse (je me permets de vous rappeler l’excellent ouvrage de Michel Onfray sur Freud) vous pouvez redouter le pire ; eh bien non, vous serez surpris de constater à quel point Eric-Emmanuel Schmitt sait éviter l’écueil de l’apologie forcenée; il reste très souvent à la lisière de l’endoctrinement ou de la catéchisation, mais il sait ne pas franchir la frontière, tout cela passe parfaitement dans le cadre de l’évolution de ces vies, et c’est en cela aussi qu’il est un très grand romancier.

On ne vous donnera pas la fin de ce roman, mais vous vous rendrez assez rapidement que ces vies sont liées et que, de fait, il ne pouvait y avoir trois romans distincts, mais un seul.

Un des autres aspects intéressants de ce livre, c’est le coup d’œil exercé que porte l’auteur sur nos sociétés. Evoquer ne serait-ce que d’une ligne la fin du Moyen-Age est toujours une recette qui prend, mais en faire un des cadres principaux c’est s’exposer à la critique impitoyable de nombre de lecteurs. Or cette société de Bruges nous intéresse à plus d’un titre ; l’opposition entre le profane et le sacré, qui trouve son apogée dans l’appréciation que porte la population sur le jugement et la condamnation d’Anne ; l’opposition aussi entre le rationnel et le superstitieux, comment un seul rapport d’humain à bête (la relation étrange et mystérieuse entre Anne et le Loup) peut tout à coup se transformer en manifestation surnaturelle et donc investir Anne d’une dimension religieuse rationnellement incompréhensible. Passionnante, même si seulement évoquée, l’opposition entre le régulier et le séculier : Braindor, ce dominicain – étonnante similitude avec celui du Nom de la Rose – dont la lucidité religieuse et la connaissance historique contrastent avec le fanatisme de l’archidiacre … sans oublier bien évidemment toute la réflexion qui est faite sur la condition féminine avec en particulier l’existence de cette cité des béguines exclusivement réservée aux femmes !

Et l’on peut porter les mêmes analyses en ce qui concerne les mondes dans lesquels évoluent tant Hannah qu’Anny. Ne reprenons pas les jugements sur la psychanalyse (j’aurais trop peur d’être partial !), mais considérons seulement un élément nouveau par rapport à Anne : les positions sur l’art, et comment une société peut se diviser en ce qui concerne ses créations artistiques ; clairs sont alors les clivages entre les partisans de ce qui est définitivement consacré comme valeur sûre, le monde des Valses de Strauss, ou les compositions de Johannes Brahms par exemple, en opposition à Gustav Mahler que la modernité effraie, de même que la peinture d’un Gustav Klimt ; ce qui devient passionnant dans cette vie de Hannah, c’est que notre héroïne va se trouver confrontée à ce débat et qu’elle sera obligée de trancher, de choisir son camp ; ce qu’elle fera … mais le faisant, elle prend aussi une option définitive sur le reste de sa vie !

Je ne parlerai pas d’Anny, car j’espère vous avoir suffisamment mis l’eau à la bouche pour que, découvrant ce roman, vous appréciez aussi ce personnage qui devient au fur et à mesure de son évolution de plus en plus attachant.

Y-a-t-il besoin d’une conclusion ?

Eric-Emmanuel Schmitt reste encore et surtout avec ce roman, un maître du genre, et un régal pour tous les amoureux de la littérature.

 

PS Editions Albin Michel, 2011, 456p., 22€

 

 

Depardieu et Rennes, deux fiascos culturels honteux !

 

 

Ils avaient pourtant mis le paquet sur France 3 et ils avaient fait une telle publicité qu’il était pratiquement impossible d’échapper, en ce jour de grâces et de Noël 2011, au Raspoutine de Josée Dayan, avec en rôle titre Gérard Depardieu !

Je veux bien qu’on Depardieuise le cinéma mais crétiniser à ce point le spectateur relève plus de l’entreprise de démolition que d’une œuvre culturelle sur fond historique !

Crétiniser le mot n’est pas exagéré : car le personnage de Raspoutine est traité avec tous les clichés que les historiens de bas étage ont su lui donner : personnage pseudo mystique, dépravé, et manipulateur politique ! Certes il est tout cela, mais avec une toute autre dimension que celle qui lui a donnée Gérard Depardieu ! Mortellement ennuyeux par la façon plus que conventionnelle avec laquelle il est rendu ; caricature totale de ce moine, aucune fantaisie qui puisse emballer le spectateur ! Et il ne faut pas compter sur les autres personnages pour donner au film un tant soit peu d’intérêt ! Une conspiration qui va durer un bon tiers du film ! Un tsar, certes pâlot historiquement, mais qui ici devient franchement ridicule, quant à la tsarine, même interprétée par Fanny Ardant, ce n’est pas elle qui va sauver ce film.
Si ce film a pour seule ambition cachée de révéler l’égo de Gérard Depardieu, alors oui, c’est une totale réussite, mais comme on est loin, très loin même, de la vision aventurière, cynique, toujours pleine d’imprévus et sujette à favoriser tous les ressorts dramatiques, que nous offre de Raspoutine un certain Hugo Pratt !

Infantilisé le spectateur ?

Qui aurait pu penser que la Ville de Rennes  se laisserait séduire par la même tentation ?

Quel est l’inculte et insensé responsable culturel qui a laissé offrir en pâture l’immonde spectacle donné chaque soir à de nombreuses reprises place de la Mairie ?

Pourtant le badaud est alléché et à juste titre, par le savant et bien ficelé jeu de projections visuelles sur la façade de l’Hôtel de Ville ; à défaut de réelles trouvailles, il y a un savoir faire technique qui intéresse, voire séduit par moments l’œil, même celui le plus rompu à ce genre de pratiques.

Mais alors quand commence le spectacle proprement dit, quelle déception !

Est-ce cela un moment féérique auquel on s’attend au moment des fêtes ? Prendre comme support des informations économiques dont le côté partisan est évident ? N’y avait-il pas une autre façon d’aborder le côté malsain et nocif de la société capitaliste ? Et rabâcher presqu’en boucle ces informations brutes de licenciements était beaucoup plus de l’ordre de l’intoxication catéchistique que de la création artistique … il y a tellement longtemps, depuis un certain Jdanov qu’on a compris qu’il y n’avait rien de plus anticulturel que la liaison entre arts et éloge du socialisme ou critique du capitalisme.

Mais le comble était à venir : qu’est-ce que cet enfant qui s’exprime comme un adulte, qui emploie des mots et des expressions dont on n’est même pas sur qu’il en comprenne le sens ? Bâtir tout un scénario sur un tel qui pro quo qui nie jusqu’à la personnalité et l’originalité de l’enfance relève d’une aberration que seule la volonté de transmettre une idéologie socialiste a pu ignorer.

Car c’est bien là le côté le plus affligeant de ce spectacle c’est qu’à force de vouloir être le thuriféraire du socialisme il en arrive à détruire même toute la force de ce courant ! Il lui cause en réalité bien plus de tort que toutes les absurdités commises par la droite au pouvoir.

J’ignore ce que cette œuvre de non art total a pu coûter à la Ville de Rennes et au contribuable rennais, par contre, tout ce que je sais, c’est qu’une telle dépense aurait pu être affectée bien plus utilement à nombre d’associations culturelles et que  Municipalité et ses courants politiques en auraient tiré de bien plus grands profits !

Steven Spielberg : Un Tintin tout à fait réussi.

Je laisse aux puristes tintinophiles le soin de démonter le film de Steven Spielberg, et de démontrer, preuves irréfutables à l’appui, que cette compilation d’actions tirées de quelques albums, sans oublier toutes les « inventions » propres du cinéaste, sont contraires à l’esprit même de Hergé.

Cela ne m’intéresse pas !

Ce qui compte surtout, c’est bien que j’y ai retrouvé toute la fraîcheur de mon adolescence (non, je ne vous ferai pas le coup de l’innocence perdue !), toute cette exaltation que notre génération, non encore habituée au cinéma dont les effets spéciaux n’en étaient qu’aux touts premiers balbutiements, pouvait ressentir avec certaines albums (on ne parlait pas encore de BD) de bandes dessinées.

Je ne vous raconterai pas l’histoire, ou plutôt la trame dont s’est servie le cinéaste, on la connaît, en gros c’est la récupération par le capitaine Haddock aidé de Tintin, du trésor de son ancêtre le chevalier de Haddock. Plus quelques incursions dans d’autres aventures, comme le Crabe aux pinces d’or.

Alors, au fait !

Deux ou trois grandes chose attireront mon attention …

d’abord cette remarquable faculté du cinéaste à utiliser les moyens spéciaux pour créer cette atmosphère fantastique où plongent les racines mêmes de nos rêves ; tenez, par exemple, l’abordage entre le bateau du Chevallier de Haddock et le vaisseau pirate de Rackham le Rouge ! Ce n’est pas un abordage de pacotille, de ceux qui se passent forcément par beau temps, et qui ne laissent aucune chance aux pauvres innocents ; non l’atmosphère se doit d’être le plus dramatique possible, il y a va non seulement de la vie des protagonistes, mais aussi de l’idée qu’ils ont de leur avenir et de leur honneur. C’est donc l’appel à la tempête, celle la plus grandiose qui soit pour accompagner le terrifiant duel qui va se jouer ; tempête digne des grands peintres marins du 17^e siècle hollandais, ou encore des cartons hugoliens, ces dessins à l’encre de chine dont l’écrivain français du 19^e siècle savait émailler ses écrits. Ajoutez à cela cette pointe d’humour, toute emprunte de l’univers fellinien (la tempête sur la lagune de Venise, lorsque Casanova vient d’accomplie un magnifique rituel amoureux avec une nonette !), et vous aurez une scène de toute beauté.

Cet appel aux effets spéciaux pour un retour au passé était induit dans la démarche de Tintin, puisque dans les albums de Hergé, le capitaine Haddock recourt par une espèce d’autosuggestion à la même évocation du passé.

Alors quoi de plus naturel que Steven Spielberg en rajoute ; à un duel historique, se devait de correspondre une autre duel, celui beaucoup plus contemporain, celui réalisé avec des grues portuaires ; et là, chapeau, il fallait y penser, l’invention devient une véritable trouvaille dont l’invraisemblance devient tellement possible qu’il est impossible de douter de sa réalité.

Autre chose qui m’a marqué, c’est l’art narratif du cinéaste ; il a beau mélanger quelques aventures, il a beau volontairement estompé quelques autres, il ne lasse à aucun moment ; on se laisse entraîner dans tout ce qu’il nous propose, sans s’ennuyer le moins du monde, ou sans trouver quelque peu le temps long ; il y a un dynamisme qui parcourt tout le film et qui enchante autant que la lecture des albums de Hergé. Et pourtant, les écueils ne manquaient pas : l’hydravion dans la tempête, ou encore le fameux récital de la Castafiore (notons cette liberté que le cinéaste a prise avec la légendaire héroïne, puisqu’il ne lui fait plus chanter le fameux air des bijoux du Faust de Gounod, mais un extrait de Roméo et Juliette du même compositeur ; et c’est tant mieux, car me semble-t-il, l’évocation à ce qui rend particulièrement comique et ridicule la cantatrice, aurait fait vraiment tâche, une fausse note, en quelque sorte dans cette partition magistrale qui est proposée !).

Ce qui est tout aussi intéressant, c’est de voir à quel point il y a adéquation entre les personnages, l’action et ce qu’ils sont dans notre imaginaire ; on ne reprendra pas toutes les situations des principaux héros Tintin et le capitaine Haddock, il serait trop facile de montrer comment le courage de Tintin s’exerce au travers de situations qui sont à la hauteur du courage dont il doit faire preuve ; de même pour le capitaine Haddock dont le travers alcoolique est toujours utilisé à très bon escient (comme dans les albums de Hergé). Prenons un autre exemple, le ridicule des Dupont : il va se nicher jusque dans cette scène burlesque, où la façade de leur hôtel dans une ville marocaine, entraîné par une immense vague, va s’arrêter juste au bord de la mer.

Reste aussi l’autre aspect, celui qui a aussi beaucoup nui à la perception de Tintin, les opinions souvent affichées jusque et y compris dans ses premiers albums, de droite, voire fascisantes de Hergé. Ce qui pose l’autre problème très épineux, celui de l’œuvre d’art dissociable ou non de la pensée politique de l’auteur ? Faut-il condamner l’œuvre d’un Fra Angelico au prétexte qu’il était moine et très religieux, (et combien d’artistes de la Renaissance dans ce cas ?), faut-il brûler l’œuvre d’un Richard Strauss ou celle d’un Respighi parce qu’ils ont tous les deux été le soutien culturel de deux régimes odieux et condamnables, le nazi et le mussolinien ?

Reconnaissons à Steven Spielberg qu’il a su éviter l’écueil de cette liaison entre le politique et l’œuvre ; les méchants restent les méchants, les bons aussi qui l’emportent obligatoirement, le peu qu’il se permette c’est d’égratigner les puissants de ce monde, à preuve l’attitude un tant soit peu ridicule du Cheik qui assiste au concert de la Castafiore.

On pourrait s’attarder encore sur tant et tant d’aspects, mais il y en a un qui m’est apparu tout aussi important : la bande son ! Elle a vraiment sa place comme élément aussi déterminant que les effets spéciaux ou la suite narrative des évènements. Ne partez surtout pas avant la fin du générique de fin de film ; vous rateriez cette re-création où se trouve très judicieusement réinventé de Tchaikovski, Prokoviev ou même Shostakocivh. Pouvait–il y avoir une meilleure adéquation entre le monde visuel et le monde sonore, proposés par le cinéaste ?

Vous dire donc que j’ai aimé, serait peu ; et si d’aventure l’occasion se présente, ne la ratez pas, vous le regretteriez !

Une découverte, Siddharth Dhanvant Shanghvi

Siddharth Dhanvant Shanghvi : Les derniers flamants de Bombay

 

Fait divers qui a défrayé la chronique en Inde, sans doute, mais tellement universel !

Karan, photographe tellement séduit par Bombay qu’il voudrait en saisir sur la pellicule toutes les caractéristiques et nuances, va faire la connaissance de Samar, pianiste qui a très rapidement abandonné toute carrière artistique. Mais dans le petit monde de Samar, il y a aussi cette étrange Zaira, vedette de seconde zone, excentrique, autour de laquelle tourne un inquiétant personnage, Malik ;  ce dernier se croit tout permis, au prétexte qu’il est le fils d’un personnage politique important. Un soir, ne supportant plus d’être toujours éconduit par cette Zaira, Malik va commettre l’irréparable et l’assassiner.

Le roman qui flirtait constamment avec l’atmosphère de mauvais romans photos, va alors changer de nature ; l’on va assister à une description assez féroce de la société (mais pas forcément indienne !) ; le père qui va tout faire pour protéger son enfant, car, sauver Malik, c’est aussi sauvegarder sa carrière politique ! Il va donc corrompre juges, enquêteurs, témoins et faire en sorte que son fils ne soit pas reconnu coupable. Toutes ces manœuvres sont décrites avec un réalisme et un cynisme dans lequel se reconnaîtraient très facilement nos sociétés européennes (et je ne pense pas au seul Berlusconi !). Mais par-delà le cas précis, c’est toute l’omnipuissance et la morgue du monde politique qui est dénoncé avec force.

Satire aussi de cette société (on l’appelle dans un très mauvais anglicisme : la jet society !) où se complaisent ceux qui font la une de l’actualité ; ces artistes qui se voudraient uniques et qui ne sont que des sous-produits.

Parallèlement, il y a l’isolement de plus en plus grand de Samar, qui deviendra total quand on apprendra que, homosexuel, il vit avec un jeune californien ; et le seul qui lui restera totalement fidèle, ce sera Karan qui va lui sacrifier toute sa carrière photographique. Il y a là un éloge assez peu commun de cette amitié indéfectible, et à l’épreuve de toutes les avanies possibles, qui peut unir deux êtres humains. Cette amitié entre deux hommes sera aussi le pendant de celle que peuvent vivre un homme et une femme et qu’on a dès le début de cette histoire entre Zaira et Karan.

Autre éloge dont la marque s’éloigne des romans photos de bas étage : cet amour réel entre Karan et Rhéa, cette grande bourgeoise qui va lui faire découvrir le Bombay caché ; amour passionné dont les différentes péripéties (en particulier celles avec le mari de Rhéa !) nous font découvrir toujours plus les différentes voies (souvent très impénétrables !) du cœur.

Très bien mené, ce roman sait amener les temps forts : exemplaire, à cet égard, la fin du roman, et cette progression de l’orage ; le drame arrive, on le devine, on le pressent, il est inéluctable, même si l’auteur feint le contraire, dans une fausse désinvolture.

Alors si vous ne savez pas quoi lire cet été, vous trouverez dans ce roman bien plus que meubler vos rares instants de solitude !

Amos Oz : les voies du Seigneur sont vraiment impénétrables !

Amoz Oz : Seule la mer

 

Curieux ce roman !

Certes la trame en est claire ; Albert Danon, veuf, a vu son fils partir pour un voyage à la forme initiatique dans les Indes lointaines ; il avait une petite copine, ce fils, une dénommée Dita ; mais voilà cette jeune fille, qui a écrit un scénario de film stupéfiant (enfin il nous est présenté comme tel) se fait arnaquer par un pseudo producteur, qui tombe aussi tout naturellement amoureux d’elle ; ce qui ne fait pas l’affaire d’Albert qui lui-aussi s’est épris de l’irrésistible Dita … dont les affaire vont de mal en pis, puisque Bettine, une jeune grand-mère ( !!!) s’est éprise d’Albert.

Le roman se termine, mais l’histoire non, puisque la porte est ouverte à toute l’imagination du lecteur pour la prolonger, comme un interminable feuilleton.

Ce qui dérange le plus dans ce roman c’est la forme que l’auteur lui a donnée : à la limite entre la poésie et la prose, avec de très courts chapitres, certains ne faisant que quelques lignes, cette forme est en opposition totale avec l’art du développement qu’exige la forme romanesque ; elle empêche même le bon déroulement de l’histoire ; et avec cette formule où le plus long chapitre n’excède pas la page et demi, il est impossible d’avoir une vision précise de chacun des évènements : leurs causes, leurs conséquences, leurs développement sont tellement restreints qu’ils en deviennent la caricature même du roman.

Cette forme provoque alors une espèce de distanciation totale entre le lecteur et ce qu’il lit ; par moments, il en arrive à ce point où il ne peut prendre au sérieux ce que l’auteur raconte ; et même les épisodes les plus tragiques ou qui pourraient être le plus bouleversants sont déformés par ce prisme et en deviennent comiques pour ne pas dire ridicules.

On demeure étonné par cette tentative, assez unique, il faut bien l’avouer, où un auteur dans le même temps crée et détruit ce qu’il crée.

Alors, reste le sens caché d’une telle démarche ; et pour le profane que je suis, il est impossible de le découvrir, sauf à lire les dernières pages qui concluent non pas le roman mais le livre : il y aurait dans ce texte une constante relation avec la Bible de la Genèse au Nouveau Testament. Mais à quoi serviraient donc toutes ces références ? Une dérision ? dans quel sens : celui des textes sacrés ou celui des histoires d’amour et autres qui forment les trames de tous les romans ? Une apologie du sacré sur le profane ? Mais alors bien rares seraient les lecteurs particulièrement avisés qui seraient capables de l’appréhender !

Alors, ai-je ou non aimé ?

Soyons pour une fois normands, et esquivons la réponse embarrassante pour seulement indiquer j’ai été très intrigué par cette formulation pour le moins originale.

Elsa Flageul : littérature et cinéma

Elsa Flageul : Madame Tabard n’est pas une femme

 

Histoire bien maigre, en vérité, puisqu’il s’agit de la découverte amoureuse et de son déroulement vus par les deux protagonistes, Antoine et Alma et sa fille de six ans, Hannah. Cette seconde rencontre, par laquelle commence le roman et où Antoine se présente comme une femme, Madame Tabard, héroïne de « Baisers volés », film de François Truffaut (je ne sais pas pourquoi je vous l’écris, puisque vous le savez tous, et que vous n’êtes pas cet ignorant crasse que je suis en matière de cinéma !)

Surtout, n’allez pas vous attendre à de longues et minutieuses descriptions de ces états d’âme initiateurs à l’amour, ou encore que vos yeux ne s’allument pas, déjà, de désir lubrique, car là-aussi vous serez totalement déçu. Roman intimiste de fait, où chacun participe d’un nombrilisme d’autant plus affligeant qu’il ne se cache même pas derrière une pseudo scientificité de la psychanalyse, par exemple, non, c’est plutôt d’une espèce de rêverie : comme une chimère introuvable ! Affligeant, certes mais en même temps attachant ce nombrilisme parce qu’il trouve aussi sa racine ou plus exactement il permet de s’exprimer à travers un autre grand art (je suis nul, un art est ou n’est pas tout simplement : il ne saurait être objectivement grand, c’est notre perception qui détermine selon l’attachement que nous lui portons, s’il est ou non grand ! Bon, il va falloir que je révise mes cours d’esthétique, ceux qui me passionnaient, il y a quelque 50 ans presque … bienheureuse époque où les cours de philosophie pouvaient fasciner …)

Je divague …

Nos deux héros donc tentent de s’exprimer et surtout de nous faire comprendre ce qu’ils peuvent ressentir à travers le cinéma, et pas celui de Monsieur Tout Le Monde, non, celui dit de la nouvelle vague.

Evidemment, vous trouvez la fin de ce roman ; dit très prosaïquement, cela ne peut pas coller entre eux deux, amour impossible, mais fort lucidement Alma s’interroge : était-ce vraiment de l’amour ? C’est triste, comme constat, de croire qu’on a aimé et que somme toute on s’est trompé, non ? D’autres auteurs auraient tiré de cette situation des phrases à vous faire inonder le roman de vos pleurs. Ici, rien de tout, cela, il y a un stoïcisme à la limite de l’inhumain : c’est comme cela, bon je regrette bien que ce ne soit pas de l’amour, car j’aurais pu avoir une petite vie merveilleuse avec mon homme, mais c’est comme cela ; résignation qui n’ose même pas faire appel au fatum, cette fatalité cruelle qui sépare les être aimants ou croyant l’être.

Et à ce stade de l’analyse du roman, on en arrive à se demander si l’auteur croit, elle-même, à son sujet, et si ce n’est pas un film qu’elle se raconte, complètement extérieur à elle …

Etrange roman ! Je crois bien que c’est la première fois où, une fois terminé le dernier mot, je me trouve dans une espèce d’indécision totale, d’impossibilité même à dire si j’ai aimé ou détesté ce roman, s’il m’a intéressé ou au contraire complètement ennuyé.

Il y a eu des passages où j’ai eu une presque irrésistible envie de tout abandonner (ce qui m’arrive pratiquement jamais !) et puis de vouloir malgré tout continuer, ne serait-ce que pour connaître l’issue de ce duo de faux et vrais amoureux.

Heureusement, il y a la fin qui contredit presque tout le reste, mais je vous laisse le soin de la découvrir !

Benvenuti nel Sud : Luca Miniero, l'égal de Dany Boon

Luca Miniero : Benvenuti nel Sud

 

Dany Boon avait réalisé un petit bijou et il méritait largement le succès rencontré, d’autant que par derrière la comédie se cachait toute une réflexion sur le travail (sa hiérarchie, les relations entre collègues, la défense collective ou non …) et la société elle-même comment accepter l’Autre et l’intégrer, et comment l’Autre doit respecter les différences et en tirer ce qu’elles ont de mieux.

On pouvait, à juste titre, craindre que la transposition italienne ne soit pas à la hauteur du modèle, tant est que l’histoire de l’art nous a enseigné que les copies ne sont bien souvent qu’une imitation très fade du chef d’œuvre.

Eh bien, il n’en est rien, absolument rien !

Ici c’est donc un sous-directeur d’une quelconque sous-direction des Postes italiennes, qui espérait une mutation à Milan et qui est nommé … au sud de Naples, à Castellabate, dans la province de Salerno ; il part avec tous ses préjugés d’homme du Nord, pour qui le sud commence à … Bologne ; après tous les quiproquos que de tels préjugés feront naître, il va découvrir tous les charmes de son affectation ; mais il devra aussi convaincre sa femme !

S’il y a effectivement transposition presque mathématique des situations, il y a un traitement à l’italienne époustouflant.

Passons sur ce qui est immédiatement visible (normal pour l’art du cinéma !!!), le rythme des actions, la façon dont elles se combinent. Que ce soit les épisodes autoroutiers, la tournée en scooter, ou encore l’arrivée de l’épouse à Castellabate, sans oublier le bouquet final du feu d’artifice… pour ne citer que quelques-unes d’entre elles, mais il y en a tellement d’autres.

Passons aussi sur ces clichés que nous avons tous sur l’Italie du  Sud (mais les français avec la Corse, par exemple, ne sont pas mieux !) ; en vrac, la nonchalance au travail, l’importance de la mamma, l’hédonisme du café ou de l’alcool de citron (le trop fameux limoncello !) ou encore la Camorra, la mafia du coin avec tous les crimes qu’elle engendre, ou encore sur …

Passons aussi sur quelques trouvailles, dont l’apparition du « parrain » Dany Boon : plus que sa présence, l’objet de sa demande (un envoi en France d’un colis à Bercq – si j’ai bien entendu -) est une subtile métaphore pour montrer à quel point le centralisme politique ou administratif doit absolument tenir compte des particularismes régionaux et/ou locaux, s’il ne veut pas se couper totalement de ses administrés.

Alors outre tout cela qu’est-ce qui fait la valeur de ce film, et qui le met à la hauteur de son modèle français ?

Car les seuls critères esthétiques ne suffisent pas à l’expliquer. A réfléchir, comme pour le film de Dany Boon, il y a une fraîcheur dont les protagonistes, tous les protagonistes, y compris les seconds rôles et les figurants, ne se départissent jamais. Ah ! nous sommes nonchalants au travail, ah ! nous aimons nous amuser, ah ! notre mamma est omniprésente, eh bien vous allez voir comme ce que vous qualifiez de tares propres aux « terroni » (les bouseux) est aussi un art de vivre, une condition sine qua non sans laquelle nous ne pouvons pas vivre heureux.

Et même si les situations pour le démontrer sont amplifiées (la tournée en scooter, ou la partie de foot sur la place), elles ne sont jamais exagérées et encore moins caricaturales : car les personnages restent totalement nature, à ce point que nous en oublions qu’il s’agit d’un film …

Et puis comment rester insensible à ces sentiments, toujours les mêmes, qui depuis l’orée des temps fait tourner le monde, on « craque » devant ce jeune postier – 35 ans quand même !- qui n’arrive pas à réaliser l’amour de sa vie avec la belle collègue parce que la mamma  est encore derrière lui ! Et enfin, comment rester insensible devant un tel village, ce site que la géographie italienne privilégie un peut partout dans la « botte » ; Castellabate, mais ce pourrait être aussi Rocca di Papa au sud de Rome, ou encore nombreux de petits villages toscans ou du Frioul. Mais quel paysage !

 Et si cela ne vous donne pas envie d’aller faire un tour quelque part par là …

   

 

 

Filmissimo à Rennes : Ettore Scola toujours actuel !

Ettore Scola : Affreux, sales et méchants

 

Quel plaisir de redécouvrir un film qu’on a vu, il  y a quelques trente ans voire plus, et constater qu’il n’a pris aucune ride, qu’il a encore toute sa force, et qu’il est encore capable de vous émouvoir et de vous faire rire tout autant !

C’est ce qui m’est arrivé avec « Affreux, sales et méchants ».

Quelle excellente initiative ont eue les programmateurs du Festival du film italien « Filmissimo » de Rennes que de programmer ce chef d’œuvre de Scola.

Certes on peut se dire que les bidonvilles de la périphérie de Rome des années de l’après-guerre, n’existent plus, comme dans les autres métropoles d’ailleurs

L’argument du film : une solidarité qui n’existe dans un clan familial que pour une seule raison matérielle, mais fondamentale, celle qui permet de vivre. Quelle maison, faite de bric et de broc, de cailloux, de tôles, de bouts de bois, récupérés, dans laquelle vivent vingt personnes ou plus, le patriarche et sa femme, leurs enfants, ils ne savent plus combien, certains étant mariés, et leurs petits enfants ; et s’ils ne restent là, tous, ce n’est que parce qu’ils espèrent trouver le magot que cache le patriarche, ce million de lires qu’il a touché suite à un accident qui lui a coûté la perte de son œil gauche.

Et l’on vit toutes les péripéties de cette communauté au milieu d’autres tout aussi semblables ; le travail de chapardeurs ou de faux handicapés dans le centre Rome, ou encore l’illusion de la jeune fille qui se croit star, la vie quotidienne, les femmes qui vont chercher l’eau à la seule source du camp, les enfants qu’on parque dans un enclos, le bistrot, le seul, tout aussi misérable tenu par deux vieilles filles, pleines de fric ; et l’on assiste à des évènements tragiques, la femme lardée de coups de couteau … jusqu’au moment où tout bascule et où le patriarche va ramener chez lui, une putain, qu’il va vouloir installer, après tout là où il y a place pour 20 personnes on peut bien trouver une place supplémentaire !

C’est ce qui va déclencher le drame qui se voudra final mais qui…

C’est tout sauf un film de sociologie appliquée !

Il est plein de cocasserie, de drôlerie on ne peut s’empêcher de rire, car même le tragique est traité avec un regard bien plus amusé que compassionné !

Mais derrière ce traitement comique, il y a aussi toute une réflexion : que signifie la famille, le clan ? Que signifie le pouvoir de l’argent, ou seulement le fait d’avoir ces billets ? Est-ce seulement acheter de la marchandise, voire des humains ? Quel sens peut avoir la sexualité ? On est beaucoup plus dans l’ordre du bestial que dans celui du sentiment ? Quel sens peut avoir la vie elle-même dans de telles conditions de survie, où les instincts primaires dominent ? Terrible apparaît alors cette machination contre le patriarche, comme terrible de sens la dernière image, où la jeune adolescente qui amène à l’enclos les jeunes enfants, se retrouve elle-aussi enceinte ?

Reste surtout un symbole très fort que propose Scola ! elle ne dure pas longtemps cette scène, mais comme elle est significative : dans ce bidonville quelques hommes se retrouvent et … chantent le célèbre chœur des esclaves de Nabucco !

Mais au fait, ultime interrogation que pourrait poser ce film : même si les bidonvilles ont disparu … (encore que … avec mes camps de roms démantelés, cet été, on puisse de nouveau s’interroger, sur ces conditions misérables qui sont faites à des humains !), ne sommes-nous pas malgré tous les progrès techniques de notre société encore et autant esclaves de nos instincts ?