EONTOS

César doit mourir : Shakespeare lu et vu par les fères Taviani

César doit mourir, des Frères Taviani

 

La pièce de Shakespeare, « Jules César », par delà le fait historique de la mort de César et de celle de Brutus, pose parfaitement le problème : peut-on faire le bonheur des autres malgré eux ? et en termes politiques, peut-on forcer les gens à vouloir la démocratie, qui implique une participation de tous, alors qu’il est plus simple de se laisser mener par un tyran quitte à ce que les libertés individuelles soient quelque peu malmenées ?

On est là très proche aussi de la problématique posée par Musset  quelques deux siècles plus tard dans son Lorenzaccio.

Le film des Frères Taviani (excellents comme d’habitude !) en est une étonnante illustration.

Pouvait-on trouver meilleur cadre que celui d’une prison, avec de réels prisonniers comme acteurs pour poser ainsi le problème de la liberté ; ce n’est pas pour eux un débat théorique, ils vivent au jour le jour, instant après instant, ce que ce que peut signifier l’absence de liberté ; leur tyran, ce n’est pas un polichinelle (comme le sont tous les dictateurs, même si d’une façon dramatique !), mais bien une institution, et s’ils sont là c’est parce qu’ils se sont mis par leur(s) action(s) en marge de la société : ce sont eux qui ont installé leur propre dictateur.

Ils vivent dans leur propre chair cette impossibilité qu’ils ont matériellement de lutter pour reprendre leur liberté, que dans un moment d’errements, ils ont sacrifiée à l’autel de leurs désirs. Interpréter cette pièce de théâtre, éloge à l’impossible liberté, est en quelque sorte un exutoire à cette frustration qui les oppresse à tout moment.

Rien d’étonnant alors, qu’ils soient si bons, ces acteurs, et que leur jeu soit d’une telle vérité. Assez surprenante aussi la façon dont ils ont été choisis : non pas sur un passage de la pièce, non pas sur un tout autre texte littéraire, mais sur leur seule présentation identitaire : comme si le fait de se présenter était un premier pas vers la reconquête de leur liberté ! Etre capable de dire qui l’on est, n’est-ce pas aussi être capable de s’affirmer comme tel et, revendiquant sa propre personnalité, afficher sa prétention à liberté individuelle ?

Il fallait aussi oser transposer le cadre de l’action dans celui d’une prison ; si la métaphore est évidente, la tyrannie met tous les citoyens en prison, pour beaucoup, elle n’est que virtuelle mais tout aussi contraignante que celle avec des vrais murs, miradors, fenêtres grillagées …

Les principales scènes de la tragédie de Shakespeare prennent alors une réelle dimension dramatique : voyez la scène où les futurs conjurés assistent derrière les barreaux de la prison, à la tentative d’Antoine de sacrer César ; plus saisissante encore, cette autre scène où Antoine devant le cadavre de César réussit à retourner à son avantage, au détriment de Brutus et des autres conjurés, le peuple de Rome, lui aussi derrière les fenêtres grillagées de la prison.

Les seules scènes qui se déroulent sur une scène de théâtre sont celles de la bataille qui a opposé les conjurés, Brutus en tête, à Antoine et Octave (le fils de César) alliés, et la fameuse scène où Brutus se tue ; comment ne pas voir là aussi les symboles : La bataille, première illusion pour garder et faire triompher la liberté, on sait ce qu’il en adviendra dans l’histoire romaine d’Antoine et d’Octave ; et la mort de Brutus, la fin de la liberté et surtout de cette illusion qu’on ne peut imposer la liberté à qui ne la veut pas et ne veut pas en assumer toutes les conséquences.

On ne peut mieux terminer qu’en remarquant que les Frères Taviani sont allés directement à l’essentiel ; qu’ils ont su tant dans leur mise en scène que dans leur art cinématographique éviter tous les écueils du clinquant, de l’artifice pour l’artifice ; que dans le choix même de couleurs neutres voire ternes, ils ont réussi à retranscrire le climat de la pièce de Shakespeare.

Sonne alors terrible cette remarque finale d’un des acteurs lorsqu’il réintègre sa cellule : « Depuis que j’ai connu l’art, j’ai compris que cette cellule est devenue ma prison ».

Merci à Filmissimo d’avoir programmé un tel film pour son édition 2013

 

Andrea Segre : La Petite Venise

 

Il y a très longtemps que je n’ai assisté à un si beau et émouvant film.

Bien sûr le cadre ! Quoi de plus enchanteur a priori que la lagune de Venise !

Sauf qu’ici on est dans tous les domaines, à l'exception de celui touristique : à telle enseigne que les quelques photos de la Venise touristique (et en particulier le pont du Rialto) sont ternes, fades, indignes même du premier amateur venu, comme pour mieux nous montrer que la vision carte postale de Venise, ce n’est absolument pas le sujet de ce film et que la grandeur de ce film et de son cadre est à chercher ailleurs.

Alors là, on est servi … et de quelle manière.

Le résumé est éloquent : on le savait ou tout au moins on s’en doutait, mais filmée, cette réalité devient encore plus oppressante ! Li, ouvrière chinoise, est envoyée, sans qu’on ne lui demande son avis, à Venise, comme barmaid ; elle y restera tant qu’elle n’aura pas remboursé ce voyage qu’on lui a imposé ; c’est dire l’emprise que ses patrons peuvent avoir sur elle, d’autant qu’ils ont une arme redoutable de chantage : elle est mère d’un petit garçon de huit ans qui est resté en Chine, et si elle veut qu’il puisse la rejoindre … alors… elle sait ce qui lui reste à faire.

Son malheur veut qu’elle se lie d’amitié avec un vieux marin pêcheur, Bepi, qui a l’âge d’être son père ; originaire de Yougoslavie, mais implanté en Italie depuis plus de trente ans, il est aussi poète à ses heures. Mais voilà ses copains, dont un certain Coppe, voient d’un très mauvais œil cette amitié naissante : sait-on elle s’arrêtera ? Du reste les Chinois ne sont-ils pas en train de coloniser l’Italie (ce discours n’est absolument pas inventé, on l’a entendu tant de fois chez les Vénitiens, et il est l’un des leitmotiv des mouvements de droite et d’extrême droite du Nord de l’Italie !) ?

Les patrons chinois d’une part et les copains vénitiens d’autre part, l’amitié entre Li et Bepi devient alors absolument impossible ; Li sera même transférée dans une usine chinoise de confection de la banlieue industrielle de Venise. Mais, une énigme son fils la rejoint, sans qu’elle ne réussisse à savoir qui a payé pour cela …

Bepi ira chez ses enfants à Mestre, et se laissera mourir de chagrin. Et quand Li, à la recherche de Bepi, rencontrera Coppe, il lui apprendra la triste nouvelle en même temps qu’il lui confiera une lettre de Bepi.

Quant à la fin …

Film bouleversant : d’une immense pudeur, il y a si peu à dire, mais les silences, les arrêts sur image sont tellement éloquents. Amitié impossible non parce que Li et Bepi sont  d’origine culturelle très différentes, mais bien parce que leurs communautés respectives s’y opposent au nom même de leur propre survie. Et ce conflit que les deux protagonistes intériorisent va les submerger. On glisse imperceptiblement de l’anecdote, du simple reportage, avec des scènes truculentes dans ce bistrot de Chioggia, à une atmosphère dramatique, celle qui va laminer totalement ces deux êtres que l’on a d’emblée pris en totale affection.

La technique cinématographique suit alors parfaitement cette évolution ; on l’a vu avec les images de Venise (cf. plus haut), mais il y aura ces ciels lumineux particuliers lorsque l’amitié entre les deux héros va se révéler le plus intense ; il y aura aussi le trouble de chacun des deux protagonistes qu’accompagnera cette aqua alta (phénomène de marée à fort coefficient) qui va inonder le bistrot ; de même que l’on peut retrouver toue une symbolique dans ces photos de brouillard ou de Chioggia de nuit.

Comme je suis gré au réalisateur de nous avoir épargné aussi les photos touristiques de cette ville ! et même si on a quelques vues panoramiques, (dans l’une d’entre elles, au premier plan ces gigantesques travaux entrepris depuis deux ans en vue de combler une petit canal de la ville) on voit surtout la zone portuaire des grands chalutiers, et tous ces cafés qui bordent ce quai…

Comme je suis aussi gré au même réalisateur de nous avoir fait entrevoir cette île de Pellestrina, avec sa plage côté mer, où je n’ai jamais vu de touristes, et tellement propice à la méditation : les scènes d’une compatriote de Li faisant du Tai-chi sont elles-aussi suggestives et d’une force étonnante.

Pellestrina aussi côté lagune, avec ses cabanes de pêcheurs au milieu de l’eau ; elles m’ont toujours semblé mystérieuses, et elles se révèlent ici si simples, cadres ordinaires d’une vie ordinaire de travail dur.

Oui, vraiment un très beau film qui met l’humain au centre de toute son action et de sa réflexion ; rares sont les films qui atteignent un tel degré d’émotion.

 

 

Terraferma d'Emanuele Crialese

Emanuele Crialese : Terraferma

 

Très régulièrement à la une de l’actualité, ces désespérés de lointains pays qui tentent de rentrer en Europe via l’Italie ; deux points de fixation, la côte du sud-ouest avec Bari, et la petite île de Lampedusa au sud de la Sicile. On a tous en tête ces images pathétiques où, sur de misérables embarcations, s’entassent par dizaines ces êtres en quête non d’un Eldorado, mais seulement d’une terre qui leur assurera de ne pas mourir de faim.

On s’en émeut, le temps de laisser s’estomper ces visions, et on les oublie.

Notre bonne conscience d’européens, nantis quoi qu’on le dise et quelle que soit la réelle misère que connaissent nombre de nos concitoyens, s’endort à nouveau jusqu’ à …

Et puis tout à coup, un cinéaste se met non pas à imaginer, mais seulement à raconter, mais pas à la manière d’un journaliste à sensation, non, avec toutes les ressources que son art peut lui donner, et il nous livre « Terraferma » !

Bien sûr qu’on est bouleversé : comment ne le serait-on pas devant cette femme qui va accoucher juste après avoir été recueillie par des pêcheurs ? ou encore devant ces images d’africains qui, après un naufrage, tentent en pleine nuit de rallier à la nage une côte ? ou enfin devant ces corps d’africains qui arrivent sur la plage, au beau milieu de touristes qui vont alors se porter à leur secours ?

Mais derrière cette réalité poignante au possible, toute cette réflexion qui s’impose.

La plus évidente : la loi sacrée de la mer ! On n’abandonne pas un naufragé (on comprend mieux la fin du film, le jeune pécheur adulte qui n’a pas su la respecter, et qui pris de remords va essayer de se racheter en tentant de faire fuir une immigréeet ses des enfants !) Pour toutes les civilisations, du moins celles issues du bassin méditerranéen, le naufragé est par excellence, la représentation de la notion de secours, et de « charité » que l’on doit porter à autrui. C’est aussi pour cette raison que les quelques villages qui ont, en Bretagne, hébergé en leur sein des naufrageurs, étaient bannis de la communauté.

Alors si la Loi, celle édictée par les autorités, est contraire à la loi de la mer, alors il n’y a pas à tergiverser : il faut s’y opposer et continuer à apporter secours à qui vient de façon si cruelle le demander. Et aucun impératif ne serait-ce économique ne saurait prévaloir ; notre île aura mauvaise réputation, cela lui fera une très mauvaise publicité et ne viendront plus les touristes dont nous avons besoin pour vivre ? Eh bien tant pis, notre morale doit primer. Quitte aussi à s’opposer aux représentants de la loi : comme ils sont égratignés, non comme individus, bien évidemment, mais comme fonctionnaires chargés de faire appliquer les nouvelles règles : exemplaire la double confrontation entre le grand-père et l’officier des carabinieri : la première fois, lorsqu’il vient se saisir du bateau au prétexte que les papiers ne sont pas en règle ; et la deuxième fois encore plus symbolique, lorsque devant le commissariat (un bien grand mot !) les marins pêcheurs ont abandonné toute leur pêche en guise de protestation.

C’est ce conflit, exacerbé à l’extrême, que vont vivre Giuletta, dont le mari, marin pêcheur a disparu en mer, et son fils Filippo. Tandis que le grand-père lui ne se pose aucun problème : il a la force d’une conviction ancrée dans la nuit des temps… à l’opposé de son autre fils qui lui profite parfaitement du nouveau modèle économique qui s’installe et que représente parfaitement l’industrie du tourisme … la scène de « danse » sur la vedette qui fait visiter l’île en étant une satire … et pourtant d’une réalité incontestable.

A une telle force de réflexion où la violence est omniprésente, il fallait une expression artistique aussi exemplaire.

Comment ne pas être séduit par l’utilisation de la mer : photos sous-marines, gros plans, séduisants par leur évocation de l’étrange (jeu dans les filets) ou par leur suggestion, le débris d’un bateau africain qui a fait naufrage !

Que dire aussi de ces gros plans : le summum étant cette confrontation entre Giuletta et l’africaine ; aucune parole, seulement deux visages, qui expriment bien plus que toute ce qu’elles pourraient se dire entre elles. Elles se parleront, mais juste quelques mots ; et leur étreinte finale vaut tous les longs discours …

Savoir aussi saisir l’essentiel sans l’alourdir par d’inutiles détails ; la société de consommation des touristes, elle est là, mais en quelques images fortes : la nuée (la contre-plongée devient alors un redoutable moyen !) de touristes qui sort du ferry, ou encore Filippo comme plagiste d’un moment, le temps d’ouvrir un parasol et d’encaisser les vingt euros…

On pourrait multiplier à l’infini cette technique du petit détail qui résume le tout, et cela donne beaucoup plus de force aux scènes principales et largement développées : opposition entre deux mondes : la scène du scooter, et la scène de l’assemblée des « sages » ou la scène de la séquestration du bateau. Le doute : la scène de nuit où Filippo est obligé de taper sur les africains surgis et qui veulent monter sur sa barque, risquant de la faire chavirer. La soumission à la volonté de la mer : la procession en mémoire du fils du grand-père …

Un très beau film à ne pas manquer, où que vous soyez, car dans un monde où la xénophobie et la crainte de l’autre montent de plus en plus, il offre la possibilité d’opposer la force de la réflexion.

PS : outre les autres personnages, les trois principaux méritent une mention toute particulière : Donatella Finocchiaro, dans le rôle de Giuletta, son fils, Filippo Pucillo, et le grand-père, Giuseppe Fiorello.

 

 

Gli equilibristi (Les équilibristes) : Ivano de Matteo, un néo-réaliste ?

On peut savoir gré aux organisateurs de Filmissimo 2013 (festival du cinéma italien de Rennes) d’avoir programmé en ouverture ce film sorti en Italie en septembre dernier et qui ne devrait être distribué en France qu’à partir de mai-juin prochain.

Le réalisateur Ivano de Matteo n’a pas choisi la voie de la facilité, car le sujet traité fait partie de ceux qui non seulement sont particulièrement étudiés par de nombreux sociologues, mais qui peuvent tomber tellement facilement dans le larmoiement et la sensiblerie de bas étage.

De quoi est-il donc question ?

Une femme, Elena, découvre une ancienne trahison de son mari, Giulio ; elle n’arrive pas à en faire son deuil et à lui pardonner, alors que cette liaison est finie depuis longtemps. Climat très tendu, et dont se rendent compte les deux enfants, un jeune garçon et une adolescente, Camilla.

Pour tenter d’échapper à cet étouffement, Giulio quitte sa femme et va tenter de résoudre l’impossible : avec un petit salaire (1200 euros) être indépendant, se trouver un logement, et réussir à survivre tout en subvenant en partie aux besoins de son ancienne famille. Evidemment il n’y arrivera pas, et ce sera la descente aux enfers : il en sera réduit à vivre dans sa voiture, et à fréquenter les associations caritatives. La fin est tellement prévisible !

Scénario pas évident donc, et magistralement servi par au moins trois acteurs : Giulio, Valerio Mastrandrea, Elena, Barbara Bobulova, et Camilla, Rosebell Laurenti Sellers. Tous les trois sont d’une étonnante justesse dans leur jeu et dans l’évolution de leur personnage ; Giulio qui pense résoudre ses problèmes et qui, en fait s’enfonce de plus en plus ; cette transformation manifeste dans les expressions de son visage est bouleversante ; à chaque étape de cette déchéance, le visage devient de plus en plus impénétrable (la scène du dîner de Noël raté en est un exemple frappant) et, fait étrange, la douleur morale de cette insupportable situation devient de plus en plus lisible.

Evidente aussi la transformation de Camilla ; cette incompréhension qui se fait jour de plus en plus vis-à-vis de son père, et qui va presque se transformer en haine, jusqu’à ce qu’elle découvre la cruelle réalité dans laquelle il se débat.

Quant à l’épouse, Elena, elle parcourt un chemin identique à celui de Giulio ; elle croit pouvoir se libérer de cette obsession de la faute de son mari qui l’a privée, elle de ce bonheur auquel elle a du forcément croire. Mais, elle se rend progressivement compte que le moyen choisi et accepté, la séparation d’avec Giulio, n’est qu’un leurre ; va s’imposer à elle comme une absolue nécessité, le grand pardon ; on s’aperçoit aussi de cette transformation non seulement par les paroles, mais encore par les expressions du visage.

Oui, vraiment de très grands acteurs.

Et dans quel cadre !

Rome ! Mais pas celle que connaissent tous les touristes ; certes, il y aura un gros plan (et un seul !) sur la façade de St Jean de Latéran, certes on pensera, à un moment donné, deviner Piazza Argentina et les forums républicains… mais pour le reste ?

C’est la Rome de la vie quotidienne de ceux qui travaillent et qui n’arrivent qu’à survivre qu’à force d’astuces, toutes plus douloureuses les unes que les autres. Et curieusement, il y a assimilation entre tous ces « paysages » urbains romains, décors de souffrances, et tous ceux que nous pouvons connaître dans nos grandes villes française ou d’ailleurs. Les halles, et ces travailleurs qui plient sous les efforts, ce bistrot lien de refuge et d’expression pour deux alcolos, ou encore cette dispute entre les mêmes alcolos, ou toujours ces guichets de fonctionnaires dont l’accueil n’est pas la qualité première … tout cela est tellement évocateur de notre monde.

Reste donc quand même l’essentiel, ce que ne disent pas les images, tout ce que sous-entendent quelques dialogues et tout ce que démontre l’évolution même des personnages et donc le déroulement de cette histoire : le drame humain lorsque le ressort de l’amour et la totale confiance qui l’accompagne est quelque peu écorné. La constatation est sans doute facile, celle exprimée par un rejeté de la société « Le divorce, c’est un luxe que les riches peuvent se payer, pas les autres » ; mais ce qui n’est pas explicite mais qui est manifeste c’est qu’il n’y a qu’une seule organisation possible de la société, celle que favorise et facilite le mariage ; pour le tout venant, hors du mariage, pas de salut ; et si vous n’avez pas le fric qui vous permet de vous affranchir de cette organisation, alors, oui, l’adultère, même momentané, sera une tâche que vous ne pourrez effacer.

Il y a bien une (parmi plusieurs) issues possibles, celle du grand pardon, et donc du retour au statu quo.

Mais à regarder de près ce film, il y a quelque chose d’autrement plus troublant derrière un certain nombre de scènes (toutes d’échec !) et de répliques (comme il sonne dur le « non, ce n’est pas normal » réponse du père à sa fille) : une constatation bien plus qu’une interrogation. A la main mise totale de l’économie (d’un certain type d’économie, il n’est pas difficile d’en retrouver l’exploitation capitaliste) correspond inéluctablement un certain type d’organisation sociale (le mariage, et il est exclusif !) ; les deux sont liés comme cul et chemise, et vouloir sortir de l’un, en l’occurrence du mariage, c’est se condamner à se marginaliser ; il ne faut surtout pas attendre ni du système économique ni du système politique qu’ils aient non pas de la commisération mais seulement la moindre solidarité vis-à-vis de ceux qui se marginalisent ainsi ; ils ne sont pas fous, ils se remettraient directement en cause et couperaient cette belle branche sur laquelle ils sont assis. Ils peuvent admettre cette marginalisation de la part des riches, car elle ne prête pas à conséquence,  jamais les riches n’oseraient un instant remettre en cause, économiquement, ce qui fonde leur richesse.

Mais les pauvres, les non fortunés, disons, alors là pas question : car ils seraient alors trop enclin à faire éclater la structure sociale et économique comme ils auront fait exploser celle familiale.

C’est alors là le sens du pardon, cette générosité qui n’en est pas réellement une mais qui est tellement pratique surtout … après tout ce n’est que l’évolution de cette fameuse alliance du sabre et du goupillon !

En tout cas, cette treizième édition de Filmissimo de Rennes commence très très bien ; il a le mérite de nous faire réfléchir bien au-delà des qualités mêmes du cinéma, et dans « les équilibristes » elles sont nombreuses (1). Et il semble bien que les films programmés participent aussi de cette réflexion ; alors que cette édition connaisse le succès qu’elle mérite !

 

(1)Il faudrait encore tant et tant de pages pour les analyser toutes, que je cède devant la difficulté de l’entreprise ; mais chacun saura les déceler et les énoncer sans doute bien mieux que je ne saurai le faire !

 

PS Pour plus amples informations voir au choix l’un de ces deux sites :

   www.arianova.com ou www.cinéville.fr

 

James Bond : Skyfall, un très bon cru !

James Bond : Skyfall

 

Dire qu’en cinq jours, plus de un million et huit cent mille personnes ont déjà vu ce dernier James Bond, et dire que j’ai fait partie de ce chiffre assez exceptionnel ! Il est vrai que la salle de Dinard où j’ai pu voir Skyfall était pleine à craquer …

Si vous vous étonnez qu’un éminent (!!!) lecteur  comme votre serviteur aille perdre son temps à de si vaines futilités, alors par pitié, abandonnez immédiatement la lecture de cette chronique, car vous serez immanquablement déçu !

Eh oui, j’ai aimé, que dis-je aimé, adoré, oui, ce dernier James Bond et pour tellement de raisons !

A commencer par ce scénario, assez insolite ! Ici plus de puissances souterraines ou presque ; malfaisances, finies ces grandes confrontations, à l’échelle mondiale, où le Bien (en la personne de OO7) va réussir après de nombreuses péripéties l’emporter sur le Mal. Le méchant fait partie du sérail, ou plutôt en a fait partie ; c’est un ancien agent du fameux MI6, un certain Silva, qui a décidé de porter un coup fatal non seulement sur ce service, mais mieux de s’en prendre à son chef suprême, cette implacable directrice qu’est M.

La conduite de l’action, par ailleurs, est réalisée de façon astucieuse avec des rebondissements qui ne sont pas toujours télécommandés et qui nous surprennent encore plus que d’habitude. Les cascades et les effets spéciaux sont sans doute plus discrets que dans de nombreux épisodes antérieurs, comme dans « Casino royal », par exemple ; mais ils ne sont jamais invraisemblables, et leur pertinence renforce leur crédibilité.

Etrangement les acteurs semblent beaucoup plus humains et connaissent des faiblesses dont ils étaient exempts auparavant ; surprise, James Bond n’est plus cet agent infaillible techniquement (est-ce bien le terme ?) : l’alcoolisme a eu raison de ses réflexes, et il ne sait plus viser ! L’acteur incarnant James Bond, Daniel Craig, est d’une vérité originale et correspond parfaitement bien au rôle qu’on lui a confié. Mais il n’est pas le seul, comme cette agent qui hésite à tirer et qui obéit aux ordres bien malgré elle. Il n’est jusqu’à M elle-même, qui pour la première fois a un rôle prépondérant ; elle en devient sympathique, et je suis prêt à parier que vous connaîtrez une certaine émotion devant sa fin. Quant au paysan écossais qui garde la demeure familiale du jeune James Bond, c’est une véritable trouvaille et une autre originalité de ce film. L’anti-héros, cet ex agent du MI6, ne manque pas non plus, de panache, et même s’il revêt les habits du méchant, il n’empêche que toute sa tirade sur l’organisation de la société, le pouvoir et ceux qui tirent les ficelles sonnent bien plus juste que nombre de criminels auxquels James Bond était jusqu’à présent confronté. On a beaucoup parlé dans la présentation de ce film d’une bond girl … française ; bon, c’est pour le cocorico français, mais en réalité, son rôle est très limité et l’on sera surtout impressionné par le sort final qui lui est réservé !

Bien sûr on remarquera nombre d’effets spéciaux, cette course effrénée sur les toits du grand marché d’Istanbul, ou encore cet épisode sur le toit d’un train (thème assez récurrent chez James Bond) ; l’apothéose étant quand même ces moments finaux ! Il y a une étonnante plasticité dans la présentation du domaine familial de Bond : on retrouve un univers jusqu’à présent jamais exploré, me semble-t-il, celui de certaines BD de science fiction ; ce cadre crée un état de suggestion chez le spectateur, le rendant encore plus perceptible à tout ce qui va suivre…

Que puis-je donc vous souhaiter de mieux que de prendre autant de plaisir que moi à voir ce film qui va marquer la grande saga des James Bond.

PS Je sens que je vais en faire bond…ir plus d’un, qui s’étonne que je n’aie parlé de la musique, un de mes dadas dans tout ce qui est création audiovisuelle ! Il paraît que c’est un chef d’œuvre du genre ; eh bien, j’ai du être particulièrement sourd, car je ne l’ai pas remarquée ; il faut donc croire qu’elle s’intègre totalement à l’ensemble du film !

 

 

Titanic : quel naufrage !

Etrange ! Lorsqu’il était sorti en salle, il y a quelques années, j’avais beaucoup aimé ce film. Et l’autre soir, pour me changer de la menterie éhontée d’un Président-candidat tout autant éhonté, j’ai voulu revoir ce film que la télévision nous offrait, dans le cadre du centenaire du naufrage de ce grand paquebot.

Quelle désillusion ! Et pas seulement pour le simple fait que, diffusé sur le petit écran, il ne pouvait avoir l’effet de suggestion que donne la projection en salle et sur grand écran.

Non, désillusion pour deux grandes raisons.

La première est bien qu’on est en présence d’un film manichéen dont raffole le cinéma américain : une première partie euphorique, gentillette, avec des conflits de personnes, mais tout ce qu’il y a de plus normal (cela m’a étonnamment rappelé « The day after ») ; il faut vraiment chercher et faire très attention pour penser qu’il va y avoir un drame ; c’est juste le coup du directeur de la compagnie qui  demande au capitaine d’augmenter la vitesse du bateau et peu après la dépêche annonçant la présence d’icebergs.

Manichéen aussi à l’intérieur de cette première partie les rapports de classe entre ce petit morveux de troisième classe qui prétend tomber amoureux de la jeune fille de la haute société. Certes, c’est sympathique et cela sent bon son romantique, surtout lorsqu’on sait ce jeune homme dessine parfaitement et serait en quelque sorte un artiste maudit, ignoré de son temps. Et pour faire bien évidemment un peu plus populaire, on sent les sympathies réelles et affichées du cinéaste pour ce Jack.

Bref une première partie qui m’a tellement ennuyé que je me suis absenté une bonne demi-heure, me demandant comment j’avais pu rester autrefois en salle pour le voir !

Quand je suis revenu, la seconde partie avait commencé, d’accord j’avais raté la scène mythique celle où notre héros et la belle Rose s’envoient au septième ciel dans cette voiture de luxe au fond de la cale du bateau ; certes j’avais aussi manqué l’autre scène où ce merveilleux bateau insubmersible heurte l’iceberg fatal ! j’ai donc assisté quand même à cette très longue partie qui pendant une heure et vingt minutes nous décrit le drame. Il y a un je ne sais quoi de morbide à vouloir ainsi détailler la fin de ce bateau et le comportement de tous les protagonistes, jusqu’au pathos où le fiancé de Rose veut la tuer elle et Jack.

Pour rendre la panique qui a du inévitablement se produire, et pour montrer les attitudes des responsables, jusqu’au capitaine qui va s’enfermer dans le poste de pilotage, ou encore cet officier, qui dans un acte de folie tue un passager pour rétablir l’ordre et tout de suite après se suicide, cela oui, il a su le faire le Cameron … mais pourquoi tant de complaisance à décrire cette fin atroce ? Nous le savons tous que plongés dans une eau glacée, on n’a que très peu de minute à vivre, mais alors pourquoi s’étaler sur ces moments ? Il aurait sûrement mieux rendu l’atmosphère de cette situation dramatique en étant beaucoup plus sobre.

Artificielle devient alors cette opposition entre les « riches » de la première classe qui, pour la plupart, s’en sortiront, et les « pauvres » de la troisième classe qui, pour la plupart périront. A s’y attarder ainsi on la réduit alors à la simple expression de la lutte pour la vie, réduisant à néant son aspect lutte de classes. Je m’en voudrais de douter un instant de la véracité de ce qui nous est raconté, et je pense même qu’il y a de très fortes chances que cela se soit passé ainsi, mais ce qui me gêne profondément c’est qu’à montrer avec tant d’impudeur cet évènement tragique, sa réalité et la perception qu’ont pu en avoir les principaux intéressés en soient complètement dénaturés.

Je ne sais plus quel critique disait à propos de l’œuvre d’art, que sa principale caractéristique était bien celle de passer à la postérité, et que le chef d’œuvre du 17^e serait toujours reconnu comme un chef d’œuvre au 20^e siècle ; eh bien, en dehors de sa valeur évènementielle relancée par le centenaire du naufrage,  je ne pense pas que le Titanic de Cameron résistera à l’épreuve du temps.

Et comme disaient nos amis les latins « sic transit gloria mundi … »

 

PS  A réfléchir un peu plus, il me semble que si j’ai été en fait si mal à l’aise devant cette diffusion, c’est tout simplement parce qu’elle ne peut que sonner totalement faux à partir du moment où l’on sait que tout a été réalisé en maquette ; et que donc, face à ce qu’on nous présente comme dramatique, on ne peut s’empêcher de considérer qu’il ne s’agit que d’un jeu. Et c’est sûrement à cause de cette nouvelle perception que ce film m’est alors paru mille fois trop long et surtout morbide.

Habemus papam : Nanni Moretti et Michel Piccoli, éblouissants !

Habemus Papam (1)

 

Quel film !

J’avais une quelconque appréhension en allant le voir, autant par les critiques très favorables que j’avais lues, que par certains avis plus nuancés d’amis très chers.

Et si l’on tient compte de notre passé soumis, qu’on le veuille ou non, à la très forte influence des religions monothéistes et de la catholique tout particulièrement, je ne pouvais  qu’être dubitatif sur le ton critique annoncé de ce film.

Eh bien malgré tout cela, je dois avouer que j’ai été totalement séduit par ce film.

Ah sacré Nanni Moretti !

Il a su reproduire exactement l’ambiance que j’ai toujours imaginée, en visitant la Chapelle Sixtine, de ces conclaves qui n’en finissaient pas d’élire un pape ; très drôle, ces cardinaux qui se prennent la tête devant un devoir ardu à réaliser, ils sont tellement bien assimilés à ces élèves remplis de l’angoisse de la page blanche ; le coup du stylo qui martèle les pupitres est remarquable.

Et tout le film sera plein de trouvailles : les cardinaux assistant à la première séance de psychanalyse du nouveau pape ; les mêmes cardinaux, se mettant à danser sur une chanson à la mode, qui parvient, à un très haut niveau de puissance, des appartements du pape. Les mêmes cardinaux disputant un invraisemblable tournoi de volley-ball, avec spécialement tous les effets qui sont tirés du ralenti des images ! sans oublier cette scène qui mérite d’être retenue dans toutes les anthologies : des religieuses et cardinaux investissant une salle de théâtre où l’on donne la « Mouette » de Tchékhov, … mais ce n’est pas pour l’auteur russe qu’ils sont là, mais bien pour venir chercher leur pape …

Car on l’aura compris d’emblée, le drame c’est ce pauvre cardinal qui vient d’être élu pape, mais dont la charge lui semble impossible à assumer ; il en fallait du coffre pour jouer un tel rôle, et alors, chapeau bas, à Michel Piccoli ! Il est époustouflant de vérité, jusque dans le moindre détail (il faut le voir, simple fidèle parmi les anonymes fidèles, dans une église de Rome, écoutant le sermon convaincu d’un jeune curé !), et jusque dans son italien, oh certes parfait, mais prononcé comme un étranger (vous avez entendu parler italien Benoit XVI ?), et tellement vrai en même temps.

Mais où Michel Piccoli joue à la perfection, c’est bien dans cette crise profonde que traverse l’homme face au destin qui lui est confié. La révolte d’avoir été choisi (la force de son cri au moment où il devrait se présenter au balcon du Vatican !) l’impossible résignation lorsqu’il revient prier dans la Chapelle Sixtine, et en même temps la redécouverte de ce monde simple auquel il rêve de retourner ; c’est cet itinéraire, qu’on pourra trouver peut-être un peu long, dans la Rome d’aujourd’hui, avec cette scène quasi surréaliste où il improvise le discours qu’il aurait du tenir et qu’il ne tiendra évidemment pas.

Ce n’est pas très ecclésiastique ni conforme à la doctrine de l’Eglise, mais qu’importe, la critique est là : quand le droit canon affirme que l’homme doit se soumettre à la volonté divine, Michel Piccoli affirme que l’homme doit avoir le libre arbitre de choisir s’il en est ou non digne. A une religion rigide et dogmatique (combien significative à cet égard est l’attitude du responsable civil du Vatican qui gère la situation !) Nanni Moretti oppose une conception humaniste qui nous rendrait la religion presque sympathique.

Mais heureusement dans ce conflit d’idées, il y a, intransigeant, mais non sectaire, le psychiatre appelé –et c’est très très drôle – à la rescousse par les autorités vaticanes qui ne savent comment se dépêtrer de ce pape qui ne veut pas l’être ! Et qu’on ne s’y trompe pas, derrière l’épisode où le psychaitre - Nanni Moretti - vante les passages de la Bible, ou encore derrière toute la scène de ce tournoi de volley-ball qu’il organise, il y a toute une conception qui tente de démonter les mécanismes d’oppression de tout pouvoir, y compris – et surtout - celui religieux.

Il y aurait encore tellement d’autres choses à dire sur ce film, en particulier tous ces petits clins d’œil, oh, ils ne sont pas grand-chose, mais ils nous plongent tellement et si justement dans l’atmosphère italienne et romaine ! Comme par exemple, la scène dans le café, ou encore celle dans la voiture de la femme du psychiatre !

Assurément, nous sommes en présence d’un très grand film, renforcé par des décors d’une extraordinaire vérité : il ne serait pas dit dans le générique de fin que la façade de Saint Pierre a été reconstituée en studio à Cinecittà, on se croirait réellement Place Saint Pierre.

La seule petite chose qui m’a gêné, la musique ne me semble pas à la hauteur du film : elle est trop impersonnelle, trop fade, ne mettant pas assez en lumière la problématique du film. Par contre lorsque la bande son, en presque fin de film, nous donne l’extraordinaire Miserere d’Arvö Part, on atteint un summum … malheureusement trop vite estompé par la musique du générique de fin.

Ceci dit, ne laissez pas passer cette occasion et de vous divertir et aussi de réfléchir ; quand les deux sont aussi intimement liés, il faut saisir l’opportunité !

 

(1)       Habemus papam : après la mort d’un pape, les cardinaux réunis en conclave élisent un nouveau pape ; et lorsque celui-ci est désigné, une fumée blanche qui sort du Vatican le fait savoir ; quelques instants après, le doyen des cardinaux annonce d’une fenêtre centrale du Vatican, la bonne nouvelle « Habemus Papam » (Nous avons un pape !).

 

PS Pour mes lecteurs rennais, « Habemus papam » passe encore une fois à Cinéville,  le Mardi 17 janvier à 20h15 et ce dans le cadre du douzième festival du cinéma italien, « Filmissimo »

Eric-Emmanuel Schmitt : un incontournable de la littérature

Eric-Emmanuel Schmitt : La femme au miroir

 

Vies de trois femmes : Anne de Bruges (15^e siècle), Hannah la viennoise (début 20^e siècle) et Anny l’actrice contemporaine de cinéma.

Si vous n’avez pas lu la quatrième de couverture (ce qui peut se faire, même de la part d’un lecteur chevronné comme moi … qui ai eu cet oubli, sans doute très intrigué par l’illustration de la première de couverture), vous vous demandez dès les premiers chapitres, pourquoi un seul roman, alors que, manifestement avec l’ossature proposée, il y avait matière à  trois romans.

Car la structure est d’une rigidité très stricte : un chapitre consacré à un moment de la vie d’Anne, le second toujours en forme de lettre, celle qu’Hannah envoie à une amie d’enfance et dans laquelle elle se raconte, et le troisième chapitre aux moments tumultueux d’Anny. Et ces trois vies sont tellement différentes ! La quasi sainte et mystique Anne, Hannah l’épouse modèle qui au contact de la psychanalyse va se transformer, et Anny excellente comédienne mais en proie à la drogue et à l’alcool.

Par un biais étonnant ces vies vont évoluer dans un tout autre sens que celui suggéré par les premiers chapitres ; Anne va être jugée pour sorcellerie et livrée aux flammes du bûcher, Hannah va quitter son mari, se réveiller comme femme libre, et même devenir psychanalyste, quant à Anny, elle va abandonner drogue et alcool et se libérer enfin de l’emprise souveraine de son imprésario.

Et vous allez vous rendre compte que ces trois vies ont quelque chose en commun ; des caractères féminins bien trempés, certes, mais ce n’est pas suffisant ; alors, des conditions régies par la même dramaturgie ? La sainteté d’Anne comparée à la rigueur et à l’avancée médicale de la psychanalyse ? pourquoi pas, mais cela me gêne aussi, comme me trouble aussi le fait de constater qu’Anny ne se libère de ses addictions que par amour (lesquelles addictions pourraient alors être comparées aux forces inquisitoriales qui condamnent Anne).

Si, comme moi, vous avez horreur du mysticisme et de la psychanalyse (je me permets de vous rappeler l’excellent ouvrage de Michel Onfray sur Freud) vous pouvez redouter le pire ; eh bien non, vous serez surpris de constater à quel point Eric-Emmanuel Schmitt sait éviter l’écueil de l’apologie forcenée; il reste très souvent à la lisière de l’endoctrinement ou de la catéchisation, mais il sait ne pas franchir la frontière, tout cela passe parfaitement dans le cadre de l’évolution de ces vies, et c’est en cela aussi qu’il est un très grand romancier.

On ne vous donnera pas la fin de ce roman, mais vous vous rendrez assez rapidement que ces vies sont liées et que, de fait, il ne pouvait y avoir trois romans distincts, mais un seul.

Un des autres aspects intéressants de ce livre, c’est le coup d’œil exercé que porte l’auteur sur nos sociétés. Evoquer ne serait-ce que d’une ligne la fin du Moyen-Age est toujours une recette qui prend, mais en faire un des cadres principaux c’est s’exposer à la critique impitoyable de nombre de lecteurs. Or cette société de Bruges nous intéresse à plus d’un titre ; l’opposition entre le profane et le sacré, qui trouve son apogée dans l’appréciation que porte la population sur le jugement et la condamnation d’Anne ; l’opposition aussi entre le rationnel et le superstitieux, comment un seul rapport d’humain à bête (la relation étrange et mystérieuse entre Anne et le Loup) peut tout à coup se transformer en manifestation surnaturelle et donc investir Anne d’une dimension religieuse rationnellement incompréhensible. Passionnante, même si seulement évoquée, l’opposition entre le régulier et le séculier : Braindor, ce dominicain – étonnante similitude avec celui du Nom de la Rose – dont la lucidité religieuse et la connaissance historique contrastent avec le fanatisme de l’archidiacre … sans oublier bien évidemment toute la réflexion qui est faite sur la condition féminine avec en particulier l’existence de cette cité des béguines exclusivement réservée aux femmes !

Et l’on peut porter les mêmes analyses en ce qui concerne les mondes dans lesquels évoluent tant Hannah qu’Anny. Ne reprenons pas les jugements sur la psychanalyse (j’aurais trop peur d’être partial !), mais considérons seulement un élément nouveau par rapport à Anne : les positions sur l’art, et comment une société peut se diviser en ce qui concerne ses créations artistiques ; clairs sont alors les clivages entre les partisans de ce qui est définitivement consacré comme valeur sûre, le monde des Valses de Strauss, ou les compositions de Johannes Brahms par exemple, en opposition à Gustav Mahler que la modernité effraie, de même que la peinture d’un Gustav Klimt ; ce qui devient passionnant dans cette vie de Hannah, c’est que notre héroïne va se trouver confrontée à ce débat et qu’elle sera obligée de trancher, de choisir son camp ; ce qu’elle fera … mais le faisant, elle prend aussi une option définitive sur le reste de sa vie !

Je ne parlerai pas d’Anny, car j’espère vous avoir suffisamment mis l’eau à la bouche pour que, découvrant ce roman, vous appréciez aussi ce personnage qui devient au fur et à mesure de son évolution de plus en plus attachant.

Y-a-t-il besoin d’une conclusion ?

Eric-Emmanuel Schmitt reste encore et surtout avec ce roman, un maître du genre, et un régal pour tous les amoureux de la littérature.

 

PS Editions Albin Michel, 2011, 456p., 22€

 

 

Depardieu et Rennes, deux fiascos culturels honteux !

 

 

Ils avaient pourtant mis le paquet sur France 3 et ils avaient fait une telle publicité qu’il était pratiquement impossible d’échapper, en ce jour de grâces et de Noël 2011, au Raspoutine de Josée Dayan, avec en rôle titre Gérard Depardieu !

Je veux bien qu’on Depardieuise le cinéma mais crétiniser à ce point le spectateur relève plus de l’entreprise de démolition que d’une œuvre culturelle sur fond historique !

Crétiniser le mot n’est pas exagéré : car le personnage de Raspoutine est traité avec tous les clichés que les historiens de bas étage ont su lui donner : personnage pseudo mystique, dépravé, et manipulateur politique ! Certes il est tout cela, mais avec une toute autre dimension que celle qui lui a donnée Gérard Depardieu ! Mortellement ennuyeux par la façon plus que conventionnelle avec laquelle il est rendu ; caricature totale de ce moine, aucune fantaisie qui puisse emballer le spectateur ! Et il ne faut pas compter sur les autres personnages pour donner au film un tant soit peu d’intérêt ! Une conspiration qui va durer un bon tiers du film ! Un tsar, certes pâlot historiquement, mais qui ici devient franchement ridicule, quant à la tsarine, même interprétée par Fanny Ardant, ce n’est pas elle qui va sauver ce film.
Si ce film a pour seule ambition cachée de révéler l’égo de Gérard Depardieu, alors oui, c’est une totale réussite, mais comme on est loin, très loin même, de la vision aventurière, cynique, toujours pleine d’imprévus et sujette à favoriser tous les ressorts dramatiques, que nous offre de Raspoutine un certain Hugo Pratt !

Infantilisé le spectateur ?

Qui aurait pu penser que la Ville de Rennes  se laisserait séduire par la même tentation ?

Quel est l’inculte et insensé responsable culturel qui a laissé offrir en pâture l’immonde spectacle donné chaque soir à de nombreuses reprises place de la Mairie ?

Pourtant le badaud est alléché et à juste titre, par le savant et bien ficelé jeu de projections visuelles sur la façade de l’Hôtel de Ville ; à défaut de réelles trouvailles, il y a un savoir faire technique qui intéresse, voire séduit par moments l’œil, même celui le plus rompu à ce genre de pratiques.

Mais alors quand commence le spectacle proprement dit, quelle déception !

Est-ce cela un moment féérique auquel on s’attend au moment des fêtes ? Prendre comme support des informations économiques dont le côté partisan est évident ? N’y avait-il pas une autre façon d’aborder le côté malsain et nocif de la société capitaliste ? Et rabâcher presqu’en boucle ces informations brutes de licenciements était beaucoup plus de l’ordre de l’intoxication catéchistique que de la création artistique … il y a tellement longtemps, depuis un certain Jdanov qu’on a compris qu’il y n’avait rien de plus anticulturel que la liaison entre arts et éloge du socialisme ou critique du capitalisme.

Mais le comble était à venir : qu’est-ce que cet enfant qui s’exprime comme un adulte, qui emploie des mots et des expressions dont on n’est même pas sur qu’il en comprenne le sens ? Bâtir tout un scénario sur un tel qui pro quo qui nie jusqu’à la personnalité et l’originalité de l’enfance relève d’une aberration que seule la volonté de transmettre une idéologie socialiste a pu ignorer.

Car c’est bien là le côté le plus affligeant de ce spectacle c’est qu’à force de vouloir être le thuriféraire du socialisme il en arrive à détruire même toute la force de ce courant ! Il lui cause en réalité bien plus de tort que toutes les absurdités commises par la droite au pouvoir.

J’ignore ce que cette œuvre de non art total a pu coûter à la Ville de Rennes et au contribuable rennais, par contre, tout ce que je sais, c’est qu’une telle dépense aurait pu être affectée bien plus utilement à nombre d’associations culturelles et que  Municipalité et ses courants politiques en auraient tiré de bien plus grands profits !

Steven Spielberg : Un Tintin tout à fait réussi.

Je laisse aux puristes tintinophiles le soin de démonter le film de Steven Spielberg, et de démontrer, preuves irréfutables à l’appui, que cette compilation d’actions tirées de quelques albums, sans oublier toutes les « inventions » propres du cinéaste, sont contraires à l’esprit même de Hergé.

Cela ne m’intéresse pas !

Ce qui compte surtout, c’est bien que j’y ai retrouvé toute la fraîcheur de mon adolescence (non, je ne vous ferai pas le coup de l’innocence perdue !), toute cette exaltation que notre génération, non encore habituée au cinéma dont les effets spéciaux n’en étaient qu’aux touts premiers balbutiements, pouvait ressentir avec certaines albums (on ne parlait pas encore de BD) de bandes dessinées.

Je ne vous raconterai pas l’histoire, ou plutôt la trame dont s’est servie le cinéaste, on la connaît, en gros c’est la récupération par le capitaine Haddock aidé de Tintin, du trésor de son ancêtre le chevalier de Haddock. Plus quelques incursions dans d’autres aventures, comme le Crabe aux pinces d’or.

Alors, au fait !

Deux ou trois grandes chose attireront mon attention …

d’abord cette remarquable faculté du cinéaste à utiliser les moyens spéciaux pour créer cette atmosphère fantastique où plongent les racines mêmes de nos rêves ; tenez, par exemple, l’abordage entre le bateau du Chevallier de Haddock et le vaisseau pirate de Rackham le Rouge ! Ce n’est pas un abordage de pacotille, de ceux qui se passent forcément par beau temps, et qui ne laissent aucune chance aux pauvres innocents ; non l’atmosphère se doit d’être le plus dramatique possible, il y a va non seulement de la vie des protagonistes, mais aussi de l’idée qu’ils ont de leur avenir et de leur honneur. C’est donc l’appel à la tempête, celle la plus grandiose qui soit pour accompagner le terrifiant duel qui va se jouer ; tempête digne des grands peintres marins du 17^e siècle hollandais, ou encore des cartons hugoliens, ces dessins à l’encre de chine dont l’écrivain français du 19^e siècle savait émailler ses écrits. Ajoutez à cela cette pointe d’humour, toute emprunte de l’univers fellinien (la tempête sur la lagune de Venise, lorsque Casanova vient d’accomplie un magnifique rituel amoureux avec une nonette !), et vous aurez une scène de toute beauté.

Cet appel aux effets spéciaux pour un retour au passé était induit dans la démarche de Tintin, puisque dans les albums de Hergé, le capitaine Haddock recourt par une espèce d’autosuggestion à la même évocation du passé.

Alors quoi de plus naturel que Steven Spielberg en rajoute ; à un duel historique, se devait de correspondre une autre duel, celui beaucoup plus contemporain, celui réalisé avec des grues portuaires ; et là, chapeau, il fallait y penser, l’invention devient une véritable trouvaille dont l’invraisemblance devient tellement possible qu’il est impossible de douter de sa réalité.

Autre chose qui m’a marqué, c’est l’art narratif du cinéaste ; il a beau mélanger quelques aventures, il a beau volontairement estompé quelques autres, il ne lasse à aucun moment ; on se laisse entraîner dans tout ce qu’il nous propose, sans s’ennuyer le moins du monde, ou sans trouver quelque peu le temps long ; il y a un dynamisme qui parcourt tout le film et qui enchante autant que la lecture des albums de Hergé. Et pourtant, les écueils ne manquaient pas : l’hydravion dans la tempête, ou encore le fameux récital de la Castafiore (notons cette liberté que le cinéaste a prise avec la légendaire héroïne, puisqu’il ne lui fait plus chanter le fameux air des bijoux du Faust de Gounod, mais un extrait de Roméo et Juliette du même compositeur ; et c’est tant mieux, car me semble-t-il, l’évocation à ce qui rend particulièrement comique et ridicule la cantatrice, aurait fait vraiment tâche, une fausse note, en quelque sorte dans cette partition magistrale qui est proposée !).

Ce qui est tout aussi intéressant, c’est de voir à quel point il y a adéquation entre les personnages, l’action et ce qu’ils sont dans notre imaginaire ; on ne reprendra pas toutes les situations des principaux héros Tintin et le capitaine Haddock, il serait trop facile de montrer comment le courage de Tintin s’exerce au travers de situations qui sont à la hauteur du courage dont il doit faire preuve ; de même pour le capitaine Haddock dont le travers alcoolique est toujours utilisé à très bon escient (comme dans les albums de Hergé). Prenons un autre exemple, le ridicule des Dupont : il va se nicher jusque dans cette scène burlesque, où la façade de leur hôtel dans une ville marocaine, entraîné par une immense vague, va s’arrêter juste au bord de la mer.

Reste aussi l’autre aspect, celui qui a aussi beaucoup nui à la perception de Tintin, les opinions souvent affichées jusque et y compris dans ses premiers albums, de droite, voire fascisantes de Hergé. Ce qui pose l’autre problème très épineux, celui de l’œuvre d’art dissociable ou non de la pensée politique de l’auteur ? Faut-il condamner l’œuvre d’un Fra Angelico au prétexte qu’il était moine et très religieux, (et combien d’artistes de la Renaissance dans ce cas ?), faut-il brûler l’œuvre d’un Richard Strauss ou celle d’un Respighi parce qu’ils ont tous les deux été le soutien culturel de deux régimes odieux et condamnables, le nazi et le mussolinien ?

Reconnaissons à Steven Spielberg qu’il a su éviter l’écueil de cette liaison entre le politique et l’œuvre ; les méchants restent les méchants, les bons aussi qui l’emportent obligatoirement, le peu qu’il se permette c’est d’égratigner les puissants de ce monde, à preuve l’attitude un tant soit peu ridicule du Cheik qui assiste au concert de la Castafiore.

On pourrait s’attarder encore sur tant et tant d’aspects, mais il y en a un qui m’est apparu tout aussi important : la bande son ! Elle a vraiment sa place comme élément aussi déterminant que les effets spéciaux ou la suite narrative des évènements. Ne partez surtout pas avant la fin du générique de fin de film ; vous rateriez cette re-création où se trouve très judicieusement réinventé de Tchaikovski, Prokoviev ou même Shostakocivh. Pouvait–il y avoir une meilleure adéquation entre le monde visuel et le monde sonore, proposés par le cinéaste ?

Vous dire donc que j’ai aimé, serait peu ; et si d’aventure l’occasion se présente, ne la ratez pas, vous le regretteriez !