EONTOS

Benjamin Britten : un compositeur majeur !

Benjamin Britten : Le Tour d’écrou

 

J’avais lu autrefois la nouvelle de Henry James, dans le même temps que j’avais découvert l’opéra de Britten donné sur Arte. L’œuvre – c’est-à-dire aussi bien la littéraire que la musicale – m’avait tellement fasciné que je m’étais bien promis d’assister à cet opéra dès que l’occasion m’en serait donnée.

On a tellement l’habitude d’opposer le 19^e siècle, le siècle de Opéra par excellence, au 20^e qu’on fait injure à tous les grands noms qui le siècle dernier ont enrichi le catalogue opéristique de purs joyaux : de Debussy à Berio en passant par Berg ! Et sans oublier peut-être le premier d’entre eux, Benjamin Britten !

Je ne saurais qualifier l’initiative du Théâtre de Rennes d’avoir programmé la production de l’Opéra National de Bordeaux,

Je ne saurais non plus qualifier cette production elle-même, tant, lorsqu’on sort de cette représentation on est rempli d’une musique et d’une dramaturgie exemplaires.

Je ne pouvais dire autre chose : « que c’est beau ! » tant j’étais dans l’incapacité d’analyser le moins du monde tout ce qui faisait l’excellence de ce à quoi je venais d’assister. Mon esprit et mon être tout bouleversés qu’ils étaient encore de ces voix et de cette musique uniques, se refusaient à sortir de ce cocon de bien-être absolu pour tenter d’en trouver les raisons.

Et pourtant elles sont bien là, celles qui ont produit un tel chef d’œuvre !

A commencer par cette unité totale qu’il y a entre texte et musique : une fusion telle qu’on pourrait croire que les auteurs en sont les mêmes, malgré le demi-siècle qui les sépare : l’apparente légèreté du début qui peu à peu se transforme en appréhension puis drame, la musique la reproduit avec une fidélité étonnante, l’épouse même jusque dans ses moindres développements ; à preuve le contraste saisissant entre le prélude, presque badin, et la conclusion de l’opéra, en quatre (ou cinq, je n’ai pas compté !) accords très brefs et en mezzo forte soulignant s’il était en était nécessaire la vanité de toute expression face à la mort, et à la fin de l’innocence. Ou encore cette inimaginable fusion entre le piano réel, dans la fosse, et le virtuel sur scène : placé comme je l’étais, je pouvais voir les mains de la pianiste dans la fosse et celles du gamin sur la scène … mais où était donc la réalité ?

Que dire de cette tension dramatique qui part de presque rien, (une situation des plus banales fin 19^e siècle dans une bourgeoisie au faîte de sa grandeur, une gouvernante chargée de pourvoir à l’éducation de deux orphelins.) mais qui fait émerger des faits d’envoûtement et d’une vengeance qui se veut implacable sur les deux enfants. J’ai presque regretté de connaître cette histoire, car je suis intimement convaincu qu’à l’écoute de la seule musique on pouvait, même sans connaître le moindre mot d’anglais, deviner les péripéties de la trame.

Musique de la voix ! C’est sans doute un lieu commun que de dire que Britten savait écrire pour la voix ; mais là, comme dans son premier opéra (un autre chef d’œuvre !) Peter Grimes, les voix sont traitées … impossible à définir cette impression à la fois de total naturel, de maîtrise absolue tant dans la technique que dans l’expression : oui, d’une beauté absolue. Britten explore toute cette palette vocale dont rêvent tous les amoureux de la voix ; des vocalises envoûtantes de virtuosité à la complainte nostalgiquement langoureuse, ou encore aux dialogues vocaux croisés du quatuor, nous avons droit à un véritable festival vocal. Tous, du ténor Paul Agnew à la soprano Marie-Adeline Henry-Delhoume, en passant par Hanna Schaer ou Cécile Perrin ont été éblouissants, et tout autant excellents … mais alors que dire des enfants et en particulier de celui qui tenait le rôle de Miles ! Arrivé à 12 ans (peut-être 13, je n’ai pas vérifié !) mais avoir une telle maîtrise, une telle présence, un tel sens de la musique et du drame, et donc une telle maturité … saisissant. La réputation de la Maîtrise de Paris n'est plus à faire, mais voir qu’un de ses membres est capable d’un tel résultat, alors là mon admiration envers son chef n’en est que plus grande.

Musique des instruments ! Ma première réaction, lorsque j’ai vu la fosse, a été d’incrédulité : si peu d’instruments ! 11 solistes, représentant toutes les familles de l’orchestre ! Oui incrédulité et pourtant quand on entend le résultat, on a peine à imaginer que Britten ait pu se contenter d’un si petit effectif : il nous donne tous les effets d’un grand orchestre, avec le raffinement d’une percussion particulièrement développée.

Musique qui colle  parfaitement au texte, mais qui, en même temps a une vie propre dont la richesse provient du fait qu’elle explore à fond tous les domaines : les timbres, les variations rythmiques, les nuances, la bi-tonalité, ou même carrément l' atonalité. On est aux antipodes d’une musique de recherche, tout au contraire on est en présence d’un compositeur qui a su assimiler toutes les recherches de son temps pour créer son propre langage ; et le moins qu’on puisse dire c’est qu’il est porteur d’une richesse émotionnelle unique.

Un grand coup de chapeau au chef dont j’ignorais, à ma grande honte, le nom : Tito Munoz, dont le parcours musical est déjà fortement impressionnant. Une très grande personnalité qui a su tirer le meilleur de cette partition déjà si riche !

Et cerise sur le gâteau, le décor et la mise en scène qui ont su parfaitement s’intégrer à l’opéra. Aucune tentation moderniste ou avant-gardiste de mauvais aloi, comme se plaisent à cultiver certains metteurs en scène de renom (hélas !), simplicité et efficacité semblent avoir présidé à la conception, tout étant fait pour permettre au spectateur de rentrer dans la moindre difficulté dans l’univers de Britten, et en ce sens c’est totalement réussi ; avec bien entendu un clin d’œil, l’utilisation à deux moments d’une loge ou du parterre pour mieux rendre compte des évènements dramatiques.

Merci donc à  l’Opéra de Rennes pour cette très très grande soirée, une de celles qui vous marquent à jamais et dont vous n’êtes pas prêts d’oublier toutes les émotions procurées.

Mozart : Don Giovanni à La Scala

 

 

On ne va pas retomber dans tous les clichés concernant cet opéra, quasi unique dans toute l’histoire de la musique.

On ne va pas redire encore une fois tout ce que Mozart avec cette œuvre a apporté à la musique.

On ne va pas non plus s’extasier encore une fois sur toute la profondeur de la dimension humaine qu’est capable de nous livrer Don Giovanni.

Tout cela c’est bon pour les spécialistes dont je ne saurais faire partie.

Je me faisais une fête d’entendre sur mon poste télé cette retransmission  en direct de la Scala.

Pour des raisons tout à fait personnelles, je n’ai malheureusement pas pu avoir le début de l’opéra (il me restera ce regret de n’avoir pas entendu cette magnifique ouverture …) ; et j’ai pris l’œuvre en marche, c’est-à-dire juste après l’assassinat du Commandeur.

Alors là, j’ai eu un choc terrible : des personnages habillés à la moderne, dans un décor quasi inexistant, (d’immenses rideaux qui se ferment et s’ouvrent, de temps en temps une scène totalement vide) ; une mise en scène où la suivante de Donna Elvira suit sa maîtresse avec deux valises à roulette, où, encore, Leporello se transforme plus ou moins en marchand de fripes proposant un costume à Don Giovanni. Et ainsi de suite tout le long de l’opéra, comme par exemple, la scène de mariage de Masetto et de Zerlina, scène champêtre s’il en est qui se passe dans une espèce de grande salle de fêtes totalement anonyme et dont on ne distingue que des chaises !!! Je passe sur les deux scènes majeures : la scène au sépulcre où Don Giovanni invite le commandeur à venir souper chez qui manque à la fois d’ingéniosité tout en étant ridiculement et chichement tarabiscotée … quant au souper …

Alors j’ai beau réfléchir, essayer de comprendre (surtout après les explications données par le metteur en scène, Robert Carsen, à l’entracte), rien n’y fait et ma colère est toujours aussi intacte.

C’est qu’en fait, quelle que soit la modernité de Don Giovanni, on ne peut nier qu’elle est le pur produit de ce fabuleux 18^e siècle (à telle enseigne que dans toute l’histoire de la musique le Don Giovanni mozartien sera l’aboutissement qu’aucun compositeur n’osera par la suite poursuivre) ; il y a alors un décalage extraordinaire entre une mise en scène totalement réductrice comme celle qui nous a été proposée et le texte tant littéraire que musical ; le livret de Da Ponte (on peut en dire et sans doute à juste titre tout le mal possible !) a ce mérite de résumer tout le style du 18^e siècle et de nous montrer aussi la différence d’expression entre celle du 18^e et celle du 20^e siècle ; et souligner cette différence par une mise en scène axée sur notre temps détruit toute la portée du texte, et en grande partie l’originalité de l’opéra.

Heureusement il y a la musique !

S’il n’y avait eu le génie de Mozart, jamais, oh grand jamais, je n’aurais pu supporter de voir la totalité de cette retransmission de la Scala ! Je sais bien que la diffusion sur un poste télé ne pourra jamais avoir la qualité d’un son en direct (mais la Scala, c’est trop loin !, et puis je ne vous dis pas les prix pratiqués pour la « première » de la saison de la Scala!!!) ; et par moments j’ai donc eu comme l’impression d’une masse orchestrale, dense, voire confuse … Pourtant Daniel Barenboïm n’est pas le premier venu … est-ce le choix d’un orchestre dont l’effectif m’a semblé plus conséquent que le simple orchestre mozartien ?

En tout cas, ce fut un régal pour nos oreilles, auquel ont largement contribué les voix !

A rester en adoration devant elles ! Toutes, même les deux rôles les moins importants (en quantité !) Masetto et le Commandeur, avaient cette intelligence musicale indispensables pour rendre jusque dans les moindres détails les secrets d’une telle partition. On a pu regretter par moments quelques insuffisances de la prise de son (en particulier dans le duo Zerlina/Don Giovanni), mais malgré cela, quelle qualité exceptionnelle que ces voix ! J’ai toujours eu un faible pour la naïve Zerlina, mais là j’ai encore plus craqué ! Même si Donna Elvira ou Donna Anna ne font que jouer les trahies et souvent au détriment de ce ténor dont le comportement frise le ridicule, il n’empêche que ce trio a réussi ce tour de force d’être un dans ce rôle de personnage à la fois moralisateur et profondément jaloux en fait des audaces de Don Giovanni ; quant à la paire Leporello / Don Giovanni, deux voix qui non seulement s’accordent (et ce n’est pas uniquement dû au fait qu’ils sont tous les deux dans la même tessiture !) mais savent se fondre, même lorsque dans l’action dramatique elles s’opposent (comme dans l’avant-dernière scène, celle du souper du commandeur).

Ah, Mozart ! Lui qui réussit si bien à se jouer de toutes les classifications, et à déjouer tous les pièges dans lesquels certains voudraient l’enfermer (ne serait-ce que par une mise en scène trop réductrice !) !

Alors un grand merci à La Scala … et aussi à Arte, sans qui nous serions passés à côté d’un très grand moment musical !

 

Claudio Monteverdi : « Le couronnement de Poppée »

 

 

S’il y a un opéra à ne pas manquer dans sa vie, c’est bien celui-là !

Aboutissement d’une longue et tellement exceptionnelle carrière musicale, il représente bien plus qu’un seul témoignage d’une époque par ailleurs si riche. Œuvre surprenante qui même si elle est signée du grand Monteverdi, ressort beaucoup plus de la création collective, puisque l’on a pu repérer la pate de nombreux autres compositeurs ; fait intéressant, car, pour une fois, la musique procède alors du même état d’esprit que nombre d'œuvres picturales, que l’on pense à la décoration de ces très illustres chapelles (à commencer par la Sixtine) due à de nombreux et talentueux artistes dont la vertu première a bien été de créer une unité entre eux.

Du premier baroque et encore lié à la Renaissance, cet opéra offre le rare avantage d’être hors du temps et de posséder une étonnante modernité. Il n’est que de lire le livret, de voir toutes ces satires de toutes les sociétés et du comportement souvent imbécile des humains ; de même cette facilité avec laquelle il interprète les personnages historiques : ainsi étonnante cette charge contre Sénèque et cette présentation sympathique de Néron, alors que, de l’Histoire, nous ne voulons retenir que la sagesse du premier et la cruauté du second.

Musicalement, on nage dans le plus pur bonheur ! D’autant que la musique permet toutes les audaces : imaginez, Néron interprété par une femme ! Tout, du plus petit duo, celui des soldats au premier acte, par exemple, jusqu’aux pathétiques monologues d’Othon, en passant par ces inoubliables récitatifs, tout concourt à l’enchantement du spectateur…

Et quand alors, l’interprétation est celle des Paladins, sous la direction de Jérôme Correas, et dans le cadre prestigieux du Théâtre royal de Versailles, il n’y a plus rien à ajouter !

Des chanteurs, peut-être pas encore totalement célèbres, mais dont on entendra sûrement parler. On peut ne pas être transporté d’enthousiasme par le timbre de tel ou tel chanteur ou chanteuse, c’est tellement du ressort de la subjectivité, il n’empêche que tous, même les plus petits rôles, sont à la hauteur du texte musical qui leur est confié. Se réalise alors ce qui est l’apanage des chefs d’œuvres au théâtre et à l’opéra, l’osmose totale entre les personnages et la musique, et entre eux et le spectateur.

La mise en scène peut alors avoir toutes les audaces ! Imaginez : la Fortune qui arrive sur un fauteuil roulant, tandis que la Vertu est voilée d’une façon très islamique ! Mais qu’importe tout passe avec une facilité déconcertante, d’autant que cette atemporalité du texte est soulignée par des costumes et des décors qu’on n’arrive même plus à dater … et que des personnages en semblant de toge côtoient avec  d’autres en complets veston (c’est le cas entre autres de Popée et de Néron, mais aussi d’Othon et de la même Popée) cela devient alors tout naturel, comme si notre esprit pouvait englober simultanément les caractéristiques d’époques complètement différentes !

Alors, si d’aventure, cette production passe par chez vous, n’hésitez pas un instant ! Mais même si c’est une autre, l’opéra en lui-même est un tel chef d’œuvre qu’il est impossible de le rater !